Med Jasper Johns i bullseye
Stor antologi av Jasper Johns (USA, 1930), den första i Spanien. Och killen har precis fyllt 96, deltar aktivt i det och lånar många stycken från sin egen samling! Faktum är att utställningen, med Guggenheimmuseet som bakgrund och BBVA Foundation som beskyddare, innehåller några av hans senaste verk, de som gjordes, som man säger, i förrgår (vi pratar om 'Porción', från 2020, inspirerad av Leonardo da Vinci och universum).
En antologi som inte glömmer hans stora verk (en del av hans ambition ligger i detta, utan att detta är den megaretrospektiv som Whitney Museum i New York och Philadelphia Museum of Art tillägnade honom 2021 med mer än 550 bidrag), men som alltid kommer att vara 'ofullständig'. Låt oss komma ihåg att Johns, efter sin återkomst från Koreakriget, förstörde hela sin produktion före 1954. Trots detta får detta näring av hela 140 stycken, inklusive konstnärens bok gjord hand i hand med Samuel Beckett ('Foirades/Fizzies', från 1976), och exempel på hans scenografi och danssamarbeten med Merce Cunning.
Detta är 'Walkaround Time', en omvandling av Duchamps 'The Large Glass' till tre dimensioner. Jasper Johns anses vara en av popens fäder.
Kanske trots sig själv. Eftersom hans representation av flaggor, av mål, av överlappande siffror som kommer från mytiska urbana neonljus, berodde mer på en övning i uppror, i motsats till den abstrakta expressionismens hegemoni som rådde vid den tiden, och, varför inte säga det, på dess giftiga maskulinitet. På samma sätt som denna ström fann figurationen vara en avvisande styggelse, kommer Johns att leta efter en formel för att uppnå en målning som också är platt utan att behöva vara abstrakt.
Och inte nog med det: bland förslagen i det första rummet på en kronologisk rundtur, målningen 'Målning med två bollar' (1960), en duk som öppnas på sin yta à la Lucio Fontana för att föra in två 'kulor' av trä i snittet.
Uppenbar metafor. Det är så den här läraren spenderar det. För om det är något som sticker ut från denna recension av sju decennier av hans verk av Enrique Juncosa (som redan arbetat i detta museum med Miró och Joana Vasconcelos) så är det att försöka bryta ner den kalla auran av hans verk, med fokus på dess mest känslomässiga sida.
Faktum är att dess titel, 'Night Driver', är hämtad från en teckning som inte ingår i denna recension men som författaren själv ansåg vara sitt första verk utifrån en personlig känsla. Och tavlan (ja i urvalet) 'Till minne av mina känslor. Frank O'Hara' (1961) kommer att markera ett skifte till en gråare palett och ett mer hermetiskt budskap efter upplösningen av hennes sju år långa förhållande med Robert Rauschenberg.
Artisten blir därmed det perfekta gångjärnet mellan Pop och det som kommer senare, Minimalism och Conceptual inklusive. De där flaggorna, de målen, de siffrorna som kommer att få honom att gå in i Leo Castellis galleri och förvärvas av MoMA vid drygt 26 år gammal, hade inget politiskt syfte, förutom att bekämpa abstraktionens kyla. Och de kommer att bli återkommande motiv som dock kommer att laddas med en viss upprättelse när det behövs (som när på 80-talet, mitt under AIDS-pandemin, deras mål mångdubblades, i ett uppenbart pekspel; eller innan, när, för att protestera mot Vietnamkriget, en av flaggorna ändrade sin färg).
Ändå är denna myt om 1900-talskonst en hermetisk målning. Juncosa hänvisar till att han kan ha varit för att han var en "gayartist i garderoben" som försökte prata om sig själv utan att ge för många ledtrådar. Till och med hans självporträtt 'Souvenir' – överföring av ett foto från en fotobås till en keramisk platta – är svårt att förstå.
Med allt och med detta avslöjar Bilbao-förslaget sina vändningar, sina tvångstankar, sina återkommande teman, sina obligatoriska stopp och sitt författarfetisch kontinuerliga inflytande (Duchamp, Picasso, De Kooning, Munch, Frida...), många av dem med hyllningar i verket. Med den här instruktionsboken med blöta sidor och några utrivna måste du röra dig genom rummen: med de ikoniska och mest igenkännliga verken i början av turen; eller hans små skulpturer av glödlampor eller lyktor som belyser det som avger ljus och som redan visar den där smaken för objektet som han kommer att inkorporera i storformatsverk som sina 'Studier', där han också bryter med målningens tvådimensionella struktur. Mytiska serier som hans 'Cross Plots' från 70-talet (och se, vi hade sagt att vi inte ville vara abstrakta) eller 'Catenarias' från 90-talet, återigen dominerade av gråa färger och tredimensionalitet, utan att glömma hans 'Stations' (med vilka han deltog och fick erkännande på Venedigbiennalen) som han antog synpunkterna på de synpunkter som han antog i 'Biennalen'. eller uppsättningarna.
Förslaget avslutas med två rum tillägnade verk på papper (ritningar och gravyrer) avskilda från allt annat av bevarandeskäl (och därför med svagare belysning). Utställningens kanske enda men, eftersom den hindrar oss från att verifiera utan att flytta det direkta förhållandet mellan dessa tekniker och hans målningar, upprepa och variera hans motiv på dessa stöd. Trots detta väntar överraskningar i deras stöd (plast, till exempel, ytterligare en nick till Duchampian glas), deras intressen (tantra) eller i de namn som frammanas (författare som Holbein eller Cézanne... ).
Med Jasper Johns som flaggan.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
4 june 2026, 12:58
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
Con Jasper Johns en la diana
Beskrivning
Gran antológica de Jasper Johns (EE.UU., 1930), la primera en España. ¡Y el tío acaba de cumplir los 96, participando activamente en la misma y prestado muchas piezas de su propia colección! De hecho, la muestra, con el Museo Guggenheim como telón de fondo y la Fundación BBVA como mecenas, incluye alguna de sus últimas obras, las realizadas, como quien dice, antes de ayer (hablamos de 'Porción', de 2020, inspirada en Leonardo da Vinci y el universo). Antológica que no olvida sus grandes obras (en ello reside parte de su ambición, sin ser esta la mega-retrospectiva que en 2021 le dedicaron el Whitney Museum de Nueva York y el Philadelphia Museum of Art con más de 550 entradas), pero que siempre resultará 'incompleta'. Recordemos que Johns, tras su regreso de la guerra de Corea, destruyó toda su producción anterior a 1954. Aún así, esta se nutre de la friolera de 140 piezas, incluyendo el libro de artista realizado mano a mano con Samuel Beckett ( 'Foirades/Fizzies', de 1976), y ejemplos de sus escenografías y colaboraciones de danza con Merce Cunningham. Se trata de 'Walkaround Time', una trasposición de 'El Gran Vidrio' de Duchamp a las tres dimensiones. Se considera a Jasper Johns como uno de los padres del Pop. Quizás muy a su pesar. Porque su representación de banderas, de dianas, de números que se superponen provenientes de míticos neones urbanos, se debió más a un ejercicio de rebeldía, de oposición a la hegemonía del Expresionismo Abstracto imperante en esa época, y, por qué no decirlo, a su masculinidad tóxica. De igual manera que esta corriente encontraba en la figuración una abominación rechazable, Johns buscará la fórmula de alcanzar una pintura también plana sin tener que ser abstracto. Y no solo eso: entre las propuestas de la primera sala de un recorrido cronológico, el cuadro 'Painting with Two Balls' (1960), un lienzo que es abierto en su superficie a lo Lucio Fontana para introducir en la incisión dos 'pelotitas' de madera. Matáfora evidente. Así se las gasta este maestro. Porque si algo destaca de esta revisión de siete décadas de su trabajo por parte de Enrique Juncosa (que ya trabajó en este museo con Miró y con Joana Vasconcelos ) es intentar derribar el aura fría de su labor, incidiendo en su lado más emocional. De hecho, su título, 'Night Driver', se toma de un dibujo no incluido en este repaso pero que el propio autor consideró su primera obra basada en un sentimiento personal. Y el cuadro (sí en la selección) 'En memoria de mis sentimientos. Frank O'Hara' (1961) supondrá un viraje a una paleta más gris y un mensaje más hermético tras la ruptura de su relación sentimental de siete años de duración con Robert Rauschenberg . El artista será así la bisagra perfecta entre el Pop y lo que llegue luego, Minimalismo y Conceptual incluidos. Aquellas banderas, aquellas dianas, aquellos números que le harán entrar en la galería de Leo Castelli y ser adquirido por el MoMA con poco más de 26 años, no tenían un fin político, más allá de combatir la frialdad de la abstracción. Y se convertirán en motivos recurrentes que, no obstante, sí se cargarán de cierta reivindicación cuando sea menester (como cuando en los 80, en plena pandemia del sida, se multiplican sus dianas, en un juego de señalamiento evidente; o antes, que, para protestar por la Guerra del Vietnam, una de las banderas altera sus colores). Aún así, es la de este mito del arte del siglo XX una pintura hermética. Juncosa hace referencia a que puede que lo fuera por ser un «artista gay en el armario» intentando hablar de él mismo sin dar demasiadas pistas. Hasta su autorretrato 'Souvenir' –transferencia de una foto de fotomatón a plato de cerámica– es complicado de entender. Con todo y con ello, la propuesta bilbaína desgrana sus idas y vueltas, sus obsesiones, sus temas recurrentes, sus paradas obligatorias y sus autores-fetiche influencia continua (Duchamp, Picasso, De Kooning, Munch, Frida...), muchos de ellos con homenajes en el trabajo. Con este libro de instrucciones de páginas mojadas y algunas arrancadas, habrá pues que moverse por las salas: con las obras icónicas y más reconcibles en el arranque del recorrido; o sus pequeñas esculturas de bombillas o linternas que arrojan luz sobre lo que emite luz y que ya muestran ese gusto por el objeto que incorporará en obras de gran formato como su 'Estudios', en los que también rompe con la estructura bidimensional del cuadro. Series míticas como sus 'Tramas cruzadas' de los 70 (y mira que habíamos dicho que no queríamos ser abstractos) o las 'Catenarias' de los noventa, dominadas de nuevo por los colores grises y la tridimensionalidad, sin olvidar sus 'Estaciones' (con las que participa y gana reconocimiento en la Bienal de Venecia ), esas 'bañeras' en las que adopta el punto de vista del espectador o las escenografías. La propuesta se cierra con dos salas dedicadas a la obra sobre papel (dibujos y grabados) separados de todo lo demás por cuestiones de conservación (y por ello con una luz más tenue). Quizás el único pero de la muestra, pues impide constatar sin desplazarse la relación directa entre estas técnicas y sus pinturas, repitiendo y variando sus motivos sobre estos soportes. A pesar de ello, aguardan sorpresas en sus soportes (el plástico, por ejemplo, otro guiño al vidrio duchampiano), sus intereses (el tantra) o en los nombres evocados (autores como Holbein o Cézanne... ). Con Jasper Johns por bandera.