Marisol, konstnären som tillbringade hela sitt liv på flykt
Hon var hyllad och föraktad i lika hög grad, hon verkade inte passa in eller känna sig bekväm någonstans. I ingen konstnärlig rörelse (de tilldelade det till pop, folk, feminism); ingenstans: inte ens i Paris, där han föddes 1930; varken i Caracas (hennes familj kom från Venezuela), inte heller i Los Angeles eller New York, där hon triumferade som konstnär och där hon dog 2016. Hon tillbringade sitt liv i självexil, på flykt, på flykt från allt och alla, kanske också från sig själv.
Den traumatiska upplevelsen av hennes mammas självmord när hon bara var 11 år präglade henne fruktansvärt. På ett sätt kände han sig skyldig. Han bestämde sig från och med då att inte tala, eller åtminstone bara det som var nödvändigt.
Utbildad i katolska skolor och konstakademier hade hon inte heller en bra relation med sin far. Faktum är att hon raderade sitt faderliga efternamn (Escobar) och döpte om sig själv till Marisol, helt enkelt. En mystisk, gåtfull, svårfångad, introvert och oklassificerbar kvinna, som närmade sig konsten som en upprorisk handling, och undvek att bli instängd.
Den intar en tvetydig plats i konsthistorien. "Jag har alltid varit lite konstig. Hela mitt liv har jag velat vara annorlunda, inte vara som någon annan", erkände han. MoMA inkluderade henne i en utställning 1961 och köpte senare ett av hennes verk.
Leo Castelli valde henne 1957 för en grupputställning och samma år tillägnade han henne en monografi i sitt allsmäktiga galleri i New York - hon ställde även ut i andra legendariska och Sidis gallerier som t.ex. Venezuela på Venedigbiennalen 1968, deltog hon det året i Documenta IV i Kassel... Trots allt detta raderades hennes figur, liksom många andra konstnärer, från kanonen tillägnar honom, fram till den 25 oktober, den första retrospektivet med fokus på hans teckningar, med hundra verk: det finns också gravyrer, fotografier, några skulpturer, filmer och arkivmaterial som samproducerats med MAC/CCB-Museu de Arte Contemporâneo i Lissabon, dit det kommer att resa senare, det har haft ett samarbete med AK Maresol's museum denna institution, hans arkiv, hans verk, hans bibliotek och till och med hans lägenhet Indiana', 'Stop Motion'...
I 'Marisol Exhibition', som inleder utställningen, framträder hon, nästan orörlig, bredvid sin skulptur 'Women and Dog'. Konstnären fokuserade för sin del på Warhol i verk som skulpturen 'Andy' eller installationen 'The Party', där hans berömda silkescreenade kor uppträder, även om de båda stämmer överens med Coca (Warhol fokuserade på konsumtion, Marisol på nordamerikansk imperialism) eller Kennedys (Warhol förevigade en änka Jackie, Marisol kritiserade den här familjens makt var omslaget till 'Time' Hon ville inte anta konstnärliga eller feministiska kanoner, hon ville bara ha erkännande. Hennes verk tar upp aktuella debatter som mental hälsa, feminism, avkolonisering..." Även om Marisol fick ett erkännande som skulptör (hon tyckte om att arbeta med trä, som hon målade i ljusa färger), men teckningen var för henne ett utrymme för intimitet och motstånd, "säger hon.
Mycket färgglada, han gjorde dem i penna, penna eller grafit. Profiler, bålar, ansikten, händer, fingrar med mycket långa naglar dyker upp (årtionden före Rosalía)... «Mina teckningar är oberoende av mina skulpturer. Jag uppfattar dem som en annan form av konst, mer komplex, surrealistisk och personlig.
När jag började påminde allt jag försökte rita om Picasso", sa konstnären. En opublicerad skissbok ingår i utställningen. Kultiverad från en rik borgerlig familj, hennes latinska skönhet (de kallade henne 'den latinska Garbo') och hennes framträdande i tidningar som 'Vogue', 'Life', 'Harper's Bazaar' eller 'Glamour', hennes självporträtt där hon använde sitt ansikte och kroppsformar, hjälpte inte till att ta henne på allvar som konstnär.
Det missförstods som en form av narcissism. Hon led av några kritikers förakt och fördomar, som förnekade henne, försökte förlöjliga henne och ifrågasatte hennes allvar som konstnär. Hon skickade ett brev till en av dem, där hon sa: "Jag är trött på dina hemska recensioner, din jävla idiot...
Om du kallar mitt verk populärkonst är det bara för att du har fördomar om mitt sydamerikanska ursprung, folk!" Han talade lite, men han bet sig inte i tungan. Hon var också utesluten av en del av feminismen. Utställningsvägen har delats upp i tre resor som präglat hans biografi och hans karriär som konstnär.
Den första, efter hans utställning på Leo Castelli-galleriet 1957, då han mötte framgång. Men hon satte stopp för det och 1958 "flydde" hon i två år till Europa: Paris, Rom... "Jag var så rädd efter min första utställning att jag åkte till Europa och försvann", sa konstnären. Galleristen förebrår honom i ett brev: "Hur kan du gå när allt ska börja?" Fras som tar upp utställningens titel: 'Marisol: när allt ska börja'.
Den andra förflyttningen ägde rum efter hans närvaro på Venedigbiennalen 1968. Han deltog i protesterna mot Vietnamkriget i Washington, urbefolkningsaktivism, medborgarrättsrörelser... Den här gången "rymde" han till Thailand, Indien och Polynesien.
På 70-talet samarbetade han med Martha Graham och Louis Falco med uppsättningar och figurer. Den tredje och sista förskjutningen, metaforisk, kom med Alzheimers. Sjukdomen förändrade hans minne, men hindrade honom inte från att fortsätta rita i sitt hem i Tribeca.
Det finns inte en Marisol, det finns många, den ena under den andra, som ryska matryoshkas. Hans konst är 'schizofren': skulpturer som ser ut som totem av indianer (som 'indian', där han införlivar sitt eget ansikte), skulpturer av hybridvarelser, amfibiska kroppar och 8 mm-filmer tagna under hans dyk (han lärde sig dyka på Tahiti), erotiska och våldsamma teckningar av John Wayne - portrait, portrait of John Wayne. är okända -, ett monument över Simón Bolívar i Caracas, teckningar och litografier med fragmenterade kroppar ("de är väldigt goyiska verk", säger curatorn)... I ett rum hörs hennes röst under en intervju.
Det finns inga spår av dess närvaro på Sevilla-mässan 1992. Det verkar som att den amerikanska indianska delegationen bjöd in konstnärer att leverera ett verk i utbyte mot en shamans välsignelse. Marisol var den enda som tackade ja.
Kvinnan och konstnären, bakom masken. Gloria Steinem berättade i en artikel publicerad i tidningen "Glamour" en anekdot med Marisol i huvudrollen på The Club i New York 1961. Hon dök upp med en vit mask.
De sa åt honom att ta av den.
Han gjorde det. Hon var sminkad på exakt samma sätt som masken. Utställningen avslutas med ett självporträtt från 1981, ytterligare en mask, denna gång svart och med hår. "Hon sjunger inte, hon dansar inte, missa henne inte", säger en apokryfisk fras om Lola Flores som tillskrivs en kritiker i "The New York Times". "Det är inte Pop, det är inte Op, det är Marisol", skrev Grace Glueck i "The New York Times Magazine" 1965.
Missa inte det heller.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
25 maj 2026, 01:13
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Rubrik
Marisol, la artista que pasó toda su vida huyendo
Beskrivning
Aclamada y menospreciada a partes iguales, no parecía encajar, ni sentirse cómoda en ningún sitio. En ningún movimiento artístico (la adscribieron al pop, al folk, al feminismo); en ningún lugar: ni en París, donde nació en 1930; ni en Caracas (su familia procedía de Venezuela), ni en Los Ángeles o en Nueva York, donde triunfó como artista y donde murió en 2016. Se pasó la vida autoexiliándose, huyendo, escapando de todo y de todos, quizás también de sí misma . La experiencia traumática del suicidio de su madre cuando ella solo tenía 11 años la marcó terriblemente. En cierta forma se sentía culpable. Decidió a partir de entonces no hablar, o al menos solo lo necesario. Formada en colegios católicos y academias de arte, tampoco tenía buena relación con su padre. De hecho, borró su apellido paterno (Escobar) y pasó a llamarse Marisol , a secas. Una mujer misteriosa, enigmática, esquiva, introvertida e inclasificable, que abordó el arte como un acto de rebeldía, evitando que la encasillaran. Ocupa un lugar ambiguo en la historia del arte. «Siempre fui un poco rara. Toda mi vida he querido ser diferente, no ser como nadie más», confesaba. El MoMA la incluyó en 1961 en una exposición y adquirió después una de sus obras. Leo Castelli la escogió en 1957 para una muestra colectiva y ese mismo año le dedicó una monográfica en su todopoderosa galería de Nueva York -expuso también en otras míticas galerías como Stable y Sidney Janis-, representó a Venezuela en la Bienal de Venecia de 1968, participó ese año en la Documenta IV de Kassel... Pese a todo ello, su figura, como la de otras muchas artistas, quedó borrada de un plumazo del canon . En los últimos años se ha ido recuperando. Entre 2023 y 2025 hubo exposiciones en importantes museos de Estados Unidos. Este año, las ha habido en el norte de Europa. Y el Centro Botín de Santander le dedica, hasta el 25 de octubre, la primera retrospectiva centrada en sus dibujos, con un centenar de obras: hay también grabados, fotografías, algunas esculturas, películas y material de archivo. Coproducida con el MAC/CCB-Museu de Arte Contemporâneo de Lisboa, adonde viajará después, ha contado con la colaboración del Buffalo AKG Art Museum, que gestiona el estate de Marisol. Legó a esta institución su archivo, sus obras, su biblioteca y hasta su apartamento. Se relacionó con Pollock, Frank Stella, De Kooning (cuentan que tuvo con éste un 'affaire')... Conoció a Andy Warhol en 1962. Ella era más célebre que él. Decía que era «la artista con más glamur que había conocido». No solo fueron buenos amigos, también colaboraron en varios proyectos. Marisol protagonizó algunas de sus películas: 'Bob Indiana', 'Stop Motion'... En 'Marisol Exhibition', que abre la exposición, ella aparece, casi inmóvil, junto a su escultura 'Women and Dog'. La artista, por su parte, se centró en Warhol en trabajos como la escultura 'Andy' o la instalación 'The Party', donde aparecen sus célebres vacas serigrafiadas. Coincidieron ambos en algunos temas, aunque con enfoques bien distintos: la Coca-Cola (Warhol se centró en el consumismo, Marisol en el imperialismo norteamericano) o los Kennedy (Warhol inmortalizó a una Jackie viuda, Marisol hacía una crítica del poder de esta familia). 'The Kennedy Family' fue portada de 'Time'. Recorremos la exposición con la comisaria, Laura Vallés, quien asegura que Marisol es « muy escurridiza . Huye de categorías estancas de la historia del arte. Hay mucho duelo en su obra . No quiso asumir cánones artísticos ni feministas, solo quería reconocimiento. Su trabajo aborda debates actuales como la salud mental, el feminismo, la descolonización...» Aunque Marisol recibió el reconocimiento como escultora (le gustaba trabajar con madera, que pintaba de vivos colores), el dibujo fue para ella un espacio de intimidad y de resistencia, « una práctica persistente, un refugio portátil », apunta Vallés. De gran colorido, los realizó en lápiz, bolígrafo o grafito. Aparecen perfiles, torsos, rostros, manos, dedos con uñas larguísimas (décadas antes de Rosalía)... «Mis dibujos son independientes de mis esculturas. Los concibo como otra forma de arte, más compleja, surrealista y personal. Cuando empecé, todo lo que intentaba dibujar recordaba a Picasso», decía la artista. Se incluye en la muestra un cuaderno de dibujos inédito. Culta, de familia acomodada burguesa, su belleza latina (la llamaban ' la Garbo latina' ) y su aparición en revistas como 'Vogue', 'Life', 'Harper's Bazaar' o 'Glamour', sus autorretratos en los que utilizaba su rostro y moldes del cuerpo, no ayudaron a tomarla en serio como artista. Se malentendió como una forma de narcisismo. Padeció el desprecio y los prejuicios de algunos críticos, que la repudiaron, tratando de ridiculizarla y cuestionando su seriedad como artista. A uno de ellos le envió una carta, en la que le decía: «Estoy harta de tus pésimas críticas, maldito imbécil ... Si llamas a mi obra arte popular es solo porque tienes prejuicios sobre mis orígenes sudamericanos, ¡folk!». Hablaba poco, pero no se mordía la lengua. También fue excluida por una parte del feminismo. Se ha dividido el recorrido de la exposición en tres desplazamientos que marcaron su biografía y su carrera como artista. El primero, tras su exposición en la galería Leo Castelli en 1957, cuando conoció el éxito. Pero puso tierra de por medio y en 1958 'huyó' durante dos años a Europa: París, Roma... «Me asusté tanto después de mi primera exposición que me fui a Europa y desaparecí», contaba la artista. El galerista le reprochaba en una carta: «¿Cómo te puedes ir cuando todo está por comenzar?» Frase que retoma el título de la muestra: 'Marisol: cuando todo está por comenzar'. El segundo desplazamiento tuvo lugar tras su presencia en la Bienal de Venecia en 1968. Participó en las protestas contra la guerra de Vietnam en Washington, el activismo indígena, los movimientos por los derechos civiles... Esta vez 'escapó' a Tailandia, La India y Polinesia . En los 70 colabora con Martha Graham y Louis Falco con escenografías y figurines. El tercer y último desplazamiento, metafórico, llegó con el alzhéimer . La enfermedad alteró su memoria, pero no impidió que siguiera dibujando en su casa de Tribeca. No hay una Marisol, hay muchas , una debajo de otra, como las matrioskas rusas. Su arte es 'esquizofrénico': esculturas que parecen tótems de indios nativos americanos (como 'Indian', en la que incorpora su propio rostro), esculturas de criaturas híbridas, cuerpos anfibios y películas en 8 mm tomadas durante sus inmersiones (aprendió a bucear en Tahití), dibujos eróticos y violentos, retratos de John Wayne, De Gaulle o Franco -hoy en paradero desconocido-, un monumento a Simón Bolívar en Caracas, dibujos y litografías con cuerpos fragmentados («son obras muy goyescas», dice la comisaria)... En una sala se oye su voz durante una entrevista. No hay rastro de su presencia en la Expo de Sevilla de 1992 . Parece que la delegación de nativos americanos invitó a artistas a entregar una obra a cambio de la bendición de un chamán. Marisol fue la única que aceptó. La mujer y la artista, tras la máscara . Gloria Steinem relató en un artículo publicado en la revista 'Glamour' una anécdota protagonizada por Marisol en The Club de Nueva York en 1961. Apareció con una máscara blanca. Le dijeron que se la quitara. Lo hizo. Estaba maquillada exactamente igual que la máscara. La exposición se cierra con un autorretrato de 1981, otra máscara, esta vez negra y con pelo. «No canta, no baila, no se la pierdan», reza una frase apócrifa sobre Lola Flores atribuida a una crítica en 'The New York Times'. «No es Pop, no es Op, es Marisol», escribió Grace Glueck en 'The New York Times Magazine' en 1965. No se la pierdan tampoco.