Joan Matabosch: "Att gå på operan kan vara billigare än att gå på en fotbollsmatch"

Teatro Real har tagit farväl av säsongen i flera år med fyrverkerier: en populär titel och olika evenemang (med operan som sänds på en jätteduk på Plaza de Isabel II) i vad de kallar "Operaveckan". Madrids coliseum anses, enligt Culture Observatory, den första institutionen för scen- och musikkonst i Spanien, och en stor del av dess nuvarande prestige ligger i dess konstnärliga ledare, Joan Matabosch, vid rodret för teatern sedan 2013 – tidigare hade han samma position på Liceo i Barcelona – och vars passion för opera har funnits med honom sedan vaggan. Hans huvud är ett uppslagsverk av data, röster, titlar, anekdoter; Det finns få saker om denna konst som jag inte vet. — 'Operaveckan' försöker föra denna genre närmare allmänheten, men Teresa Berganza sa att opera alltid kommer att vara elitistisk... —Det beror på vilken ordbok vi använder för att definiera 'elitism'.

Opera är en komplex konst som kräver en viss ansträngning från betraktarens sida; I den citeras andra mycket olika konster och produceras en mängd information som kräver den där ansträngningen som har att göra med den kod som bestäms av tiden: vi kallar opera både ett verk av Cavalli och ett av Händel, ett av Gounod, av Verdi, av Alban Berg... Och sanningen är att de är väldigt olika. Om vi ​​vill kalla det "ansträngning"-elitism...

Jag tror att det inte är ordet, men jag förstår vad Teresa Berganza sa, att det har mer att göra med tillgång till "produkten". Operateatrar måste anstränga sig för att vara tillgängliga och göra priserna så rimliga som möjligt. Uppenbarligen är detta starkt betingat av inkomststrukturen och subventionerna.

Det finns i alla fall också en viss demagogi kring biljettpriserna, som ibland kostar hälften så mycket som att se en fotbollsmatch. Det finns också en annan fråga: vi har gjort ett mycket viktigt åtagande att lämna teaterns fysiska väggar och använda den imponerande audiovisuella infrastrukturen som Teatro Real har och erbjuda en produkt som, som i fallet med sändningen den här veckan, är gratis. Jag vet att inverkan av en röst i ett rum inte är detsamma som en inspelning, men de är olika upplevelser, både extraordinära och berikande, särskilt idag, med kvaliteten på inspelningarna och sångarnas arbete, många av dem stora skådespelare också.

Att se en konstnärs närbild är något fantastiskt som du inte kan uppleva på en teater. —Och påverkar det audiovisuella uppsättningen på en teater? Tror regissörerna att föreställningen också kommer att synas på en duk? – Det finns allt. Det finns de som gör sitt arbete på scenen och låter regissören fatta de audiovisuella besluten, men det finns de som är väldigt engagerade i den audiovisuella överföringen; Deborah Warner, som har regisserat tre Britten-operor på Teatro Real, är en av dem.

Han är mycket i kontakt med regissören för inspelningen av hans show, eftersom han är mycket medveten om att det är ett annat språk och han vill ingripa för att bygga denna andra, väldigt annorlunda produkt. — Finns det något som har företräde när man skapar en säsong: röster, regissörer, titlar? – Det beror på projektet. De måste alla ha mycket mening, men alla är inte baserade på samma sak. Det här är inte en teater som spelar alla sina kort till dramaturgin, till rösterna...

Det som måste finnas är ett väldigt tydligt koncept i programmeringen, och inte bara för en säsong, utan över flera år. Om du analyserar den senaste programmeringen av Teatro Real ser du en oro för att införliva titlar i vår repertoar av verk som antingen aldrig presenterades eller inte hade framförts på länge på grund av vilka omständigheter som helst. Om vi ​​tittar på strukturen i den senaste programmeringen har mellan 50 och 60 % av de presenterade titlarna införlivats i Teatro Reals repertoar, i vissa fall som premiärer och i andra för att de inte hade stått på scen i denna teater på ett sekel.

Jag pratar om titlar som "La Calisto", av Cavalli, som aldrig hade gjorts tidigare; eller "Medea", av Cherubini; "Turken i Italien", av Rossini; "Il pirate", av Bellini; "Förbudet att älska", av Wagner; 'Nabucco', av Verdi, som inte hade setts på Real på mer än ett sekel; 'Den sålda bruden', av Smetana; "Arabella" och "Capriccio", av Strauss... Brittens operor var ett väntande ämne... Det är mycket uppenbart att se att vi envisas med att öppna allmänhetens sinne och göra dem medvetna om skolor, estetik, titlar... -Det betyder inte att de populäraste titlarna på repertoaren inte finns med. – Självklart inte!

De måste vara med i programmeringen. Det finns också en fråga: några som verkar superpopulära för oss nu var inte alltid så. 1865, mer eller mindre, verkar det som om det fanns en kulturminister som bestämde sig för att ingripa i teaterns programplanering och som sa att Rossini, Bellini, Donizetti och Mercadante, en då högt respekterad kompositör som fallit i glömska, måste göras; att Mozart eller Meyerbeer mycket emellanåt kunde programmeras, men att "om någon vill se verk av den där oprepresentativa moderna som inte kan tolereras, Verdi, så borde de åka till Neapel." Tack och lov att ingen uppmärksammade honom. —Människor gillar att upprepa trevliga upplevelser. Det är därför han gillar att se verk som 'La traviata' eller 'La bohéme...' -Självklart, och det måste vi respektera.

Men att minnas är en väldigt passiv attityd och inte särskilt förenlig med vad det innebär att genuint njuta av konst. Vad ett operahus måste göra är att stimulera publiken att vilja upptäcka. Konstens värld – inte bara operans – måste angripas med den aktiva attityden att upptäcka ett verk, men inte bara för att det är nytt.

Du kan också upptäcka "La traviata". Det är en fråga om attityd. I konsten slutar upprepningen av ett tecken med att det förlorar sin förmåga att uttrycka vad det ursprungligen uttryckte.

Umberto Eco förklarade att när du går in i en tågkupé och ser skylten där det står 'Ingen kika utanför' blir du chockad första gången, men går du in 400 gånger märker du det inte längre. Därför måste vi hitta ett sätt att uttrycka det på ett nytt sätt som återställer innebörden av vad det har att uttrycka. Och det som händer i reklam händer också i konstens värld.

Att upptäcka en titel som du tror att du känner perfekt är väldigt stimulerande och väldigt hälsosamt. – Och berikande. – Naturligtvis för att det gör det tydligt att det är helt vettigt att återvända till den titeln idag eftersom den uttrycker saker som berör dig, att den talar om dig själv. För att göra detta är det nödvändigt att provocera fram en punkt av främlingskap hos publiken så att de omprövar vad verket berättar för dem, och inte bara sätter sig in för att se det på ett passivt sätt. Jag är inte emot denna inställning, men en teater måste ha som mål att vara ett mycket viktigt kulturellt bidrag till en stad – i det här fallet Madrid – och till ett land.

Om vi ​​programmerar 'Tosca' gör vi det inte för att komma ihåg hur vackert det är, utan för att lägga på bordet varför det idag är vettigt i världen att fortsätta göra 'Tosca'. —Och tror du att Teatro Real, med alla citat i världen, har utbildat allmänheten så här? —Jag gillar inte ordet utbilda. Men jag har en känsla av – och det är den mest glädjande delen av mitt jobb – att jag har bidragit, precis som jag gjorde på Lyceum, till utvecklingen av den kollektiva smaken. Målen måste vara kristallklara, men sättet att komma åt dem är inte en rak linje, eller så behöver det inte vara det.

Det är nödvändigt att uppnå inte bara att det är ett utmärkt program, utan att teaterns diskurs öppnar nya dörrar, och det kan bara göras genom att mycket väl förstå vilken tradition denna teater kommer ifrån, vad publiken är van vid, att integrera och inte förlora det som redan finns i den egna diskursen. Till exempel i Spanien har det som har funnits i många år varit stora röster, och operasäsongerna var en parad av röster. Allmänheten har logiskt sett höga förväntningar i denna mening och vi måste, utan att offra andra element, erbjuda dem vad de redan förväntar sig.

Om du inte får projektet att misslyckas. —Operans magi ligger framför allt i själva rösternas magi... —Särskilt i en typ av repertoar. Det handlar om att vara väldigt tydlig med de pelare som varje säsong bygger på och de ska försvaras med näbbar och klor. Man kan inte göra något dumt och sätta en viss regissör eller två stjärnor som inte kommer för att repetera, för resultatet kan bli en absolut misslyckad show. — 'Divos' håller på att försvinna. – Ja...

Med undantag. De nya generationerna sångare har en annan utbildning, och saker som var normala förr går inte in i någons sinne idag. Nuförtiden förstår sångare, även de mest kända och mest exceptionella, att en opera är en laginsats.