Hål sipprar ut kroppen i Amparo Sard
Utställningen av Amparo Sard (Son Servera, 1973) verkar ifrågasätta, representera och till och med fira det exakta ögonblick vi befinner oss i. Å ena sidan invigs " Carne gris" i Artizar-galleriet för att sammanfalla med tjugofemårsdagen av attacken mot tvillingtornen, när tusentals människor fångades under spillrorna; å andra sidan är det som hände i Ceuta bara toppen av isberget av en mycket större tragedi: den ständiga förlusten av liv för människor som försöker korsa Medelhavet. Effekterna av de första offren fortsätter att genljuda starkt; de i Ceuta, å andra sidan, reduceras till siffror i tjänst för en politisk strid.
Amparo Sard arbetar med detta försvinnande och avhumanisering, alltid oroad över de sociala konflikter som händer framför våra ögon och vars dimension är svår att anta. Verken som presenteras i Artizar utgår från bilder av invandrare som väntar, flyter på vattnet eller försöker nå stranden. Bilder som vi ser dagligen och som riskerar att upphöra att påverka oss.
Konstnären undrar hur man ger dem tillbaka sin förmåga till påverkan och "deras effektivitet för att ta bort betraktaren". För att göra det återvänder han till sin favoritteknik: att genomborra papperet, men utvecklades i form och innehåll. I hans tidiga verk hänvisade hålen till det mellanliggande utrymmet, till hudens porer, till det som skiljer det inre från det yttre; nu får de en mer våldsam dimension.
Hålet producerar såret och gör att arbetet "sipprar ut": fortsätt filtrera, utsöndra, modifiera det som verkade stängt. I en tid då digital manipulation gör det allt svårare att skilja det verkliga från det konstruerade, förlitar sig Sard på bildens materialitet för att underlätta tillgången till sanningen. Estetiskt har dottingtekniken också tagit ett steg längre: från dyrbarheten och delikatessen hos små vita papper, där relieferna framträder tack vare förändringar i luftfuktighet, till grovheten - inte mindre bearbetad - till hålen på stora färgade papper som får volym genom färg.
Grått är ett val som homogeniserar och omvandlas till massa, men hänvisar också till cement och dess kraftfullhet. Som Adonay Bermúdez påpekar, "Sard returnerar vikt, materia och närvaro till vilket avstånd och upprepning av bilder hotar att göra osynliga". I teckningarna leker han med kropparnas deformitet och teckenens tvetydighet för att förmedla den känsla av märklighet som är så karakteristisk för hans arbete.
Sard ingår i "Los bañistas", i vattnet med invandrarna. Han försöker inte ta sin plats - en omöjlig och till och med obscen identifiering - utan att gå in på scenen och anta att han inte bara kan titta utifrån heller. På nedre våningen ger grått vika för en orange jordton och figurerna är huvudlösa självporträtt.
Här är köttfärg och sönderdelning som metaforer för avhumanisering mer påtvingade, även om de gör sin egen kropp till en plats att öva empati från. "Grått kött" siktar med skärpan av ett slag mot vårt samvete. Fråga vilka kroppar vi minns, vilka vi gråter och hur många vi slutar se. Inför glömskan av bilden på skärmarna materialiserar Sard den och korsar den för att få den att sippra ut och returnera kroppen.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
15 september 2026, 13:43
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
Agujeros supuran cuerpo en Amparo Sard
Beskrivning
La exposición de Amparo Sard (Son Servera, 1973) parece cuestionar, representar e incluso conmemorar el momento exacto en el que nos encontramos. Por un lado, ' Carne gris' , en la galería Artizar, se inaugura coincidiendo con el vigésimo quinto aniversario del atentado contra las Torres Gemelas, cuando miles de personas quedaron atrapadas bajo los escombros; por otro, lo ocurrido en Ceuta es apenas la punta del iceberg de una tragedia mucho mayor: la constante pérdida de vidas de personas que intentan cruzar el Mediterráneo. El impacto de aquellas primeras víctimas sigue resonando con fuerza; las de Ceuta, en cambio, quedan reducidas a cifras al servicio de una batalla política. Sobre esa desaparición y deshumanización trabaja Amparo Sard, siempre preocupada por los conflictos sociales que suceden ante nuestros ojos y cuya dimensión resulta difícil de asumir. Las obras presentadas en Artizar parten de imágenes de inmigrantes que esperan, flotan en el agua o intentan alcanzar la orilla. Imágenes que vemos a diario y que corren el riesgo de dejar de afectarnos. La artista se pregunta cómo devolverles su capacidad de impacto y «su eficiencia para remover al espectador». Para hacerlo vuelve a su técnica predilecta: agujerear el papel, pero evolucionada en forma y contenido. En sus primeras obras, los orificios remitían al espacio intersticial, a los poros de la piel, a lo que separa el interior del exterior; ahora adquieren una dimensión más violenta. El agujero produce la herida y permite que la obra «supure»: siga filtrando, secretando, modificando aquello que parecía cerrado. En una época en la que la manipulación digital hace cada vez más difícil distinguir lo real de lo construido, Sard confía en la materialidad de la imagen para facilitarnos el acceso a la verdad. Estéticamente, la técnica del punteado también ha dado un paso más: del preciosismo y la delicadeza de los pequeños papeles blancos, donde los relieves emergen gracias a los cambios de humedad, a la crudeza –no menos trabajada– a los agujeros sobre grandes papeles teñidos que adquieren volumen a través del color. El gris es una elección que homogeneiza y convierte en masa, pero también remite al cemento y su contundencia. Como apunta Adonay Bermúdez, «Sard devuelve peso, materia y presencia a aquello que la distancia y la repetición de las imágenes amenazan con volver invisible». En los dibujos juega con la deformidad de los cuerpos y la ambigüedad de los personajes para transmitir esa sensación de extrañeza tan característica de su obra. Sard se incluye en 'Los bañistas', dentro del agua junto a los inmigrantes. No intenta ocupar su lugar –una identificación imposible y hasta obscena–, sino introducirse en el escenario y asumir que tampoco puede mirar solo desde fuera. En la planta inferior, el gris da paso a un tono tierra anaranjada y las figuras son autorretratos sin cabeza. Aquí, el color carne y el desmembramiento como metáforas de la deshumanización resultan más forzados, aunque hacen de su propio cuerpo el lugar desde el que ensayar la empatía. 'Carne gris' apunta con la nitidez de un punzón a nuestras conciencias. Cuestiona qué cuerpos recordamos, cuáles lloramos y cuántos dejamos de ver. Frente al olvido de la imagen en las pantallas, Sard la materializa y atraviesa para hacerla supurar y devolverle el cuerpo.