Whistler, den arroganta dandyn som uppfann den subtila konsten att skapa fiender
I ett museum där stjärnorna är den bländande "Ophelia" av Millais och den överväldigande samlingen av verk av Turner - "A Bigger Splash", en ikonisk målning av den nyligen avlidne David Hockney, hänger också på dess väggar James McNeill Whistler (1834-1903), en av de stora konstnärliga innovatörerna under det sena 1800-talet med sitt eget ljus. En djärvt experimentell och kosmopolitisk skapare, utmanade han det viktorianska samhällets konventioner i jakten på sanning, skönhet och framsteg. Han proklamerade "konst för konstens skull".
Han omdefinierade konceptet med konstnären och var en pionjär, skapade eteriska och häpnadsväckande vackra visioner av det moderna livet, vilket gav honom en plats bland de mest inflytelserika konstnärerna på 1800-talet. Tate Britain i London ägnar den största retrospektiven i Europa på trettio år åt denna transgressiva amerikanska konstnär och designer fram till den 27 september. Den samlar 150 verk, inklusive hans mest kända målningar, tillsammans med sällan sedda eller opublicerade verk, såsom hans skissböcker.
Porträtt, teckningar, gravyrer och mönster visas, från tonåren i Sankt Petersburg till de gåtfulla självporträtten från hans sista period. "En sprudlande och förförisk blockbuster för målaren som skandaliserade Storbritannien", rubricerar recensionen i "The Guardian". "Några av de mest hemskt vackra målningar som någonsin skapats", skriver "The Independent"-kritikern. Det är väldigt svårt att organisera Whistler-utställningar. Det finns klausuler i hans arv som inte tillåter hans lån.
Möjligheterna att se verk av denna konstnär är därför extremt sällsynta. De senaste utställningarna hölls på Tate Gallery i London, Musée d'Orsay i Paris och National Gallery of Art i Washington mellan 1994 och 1995. Den här nya utställningen, som har varit på gång i fem år, kommer i oktober att resa till Van Gogh-museet i Amsterdam och kommer att kompletteras med ytterligare en utställning på Mesdag Collection i Haag.
Det blir Whistlers första retrospektiv i Nederländerna, en av hans favoritplatser. Rembrandt var hans stora inspiration. «Det är konstnärernas land. "Det har en speciell atmosfär," sa han. Van Gogh beundrade Whistler.
De delade båda en fascination för japansk estetik och vidgade konstens gränser. I ett brev till sin syster Willemien skrev Vincent: "Det finns en bild som Whistler målade av sin mor. När jag tänker på min framstår hon också som den för mig.
Den hänvisar till 'Arrangement i grått och svart nr 1', känd som 'The Artist's Mother'. Det var den första amerikanska målningen som ingick i Louvrens samling, nu i en av Annas mest berömda konstverk. Whistler återvänder, för första gången på 20 år, till London, staden där den målades 1871.
Tydligen ersatte hans mor en modell som inte dök upp för sin sons poseringssession. Den här ikoniska bilden har blivit en universell symbol för moderskapet kompositionen visas i utställningen flankerad av ett självporträtt av Whistler, 'Arrangemang i grått: Porträtt av målaren', och bilden av hans bror, 'Porträtt av Dr. William Whistler' förenade av deras stämningsfulla användning av färgen grå, denna triptyk av familjeporträtt är sammanförd för första gången, sedan den är målad. 2.
The Little White Girl' (eller 'The Little White Lady'), från 1864, en av Tates juveler (kvinnan som porträtteras är Joanna Hiffernan, målarens älskare och hans musa i åratal 'Red and Black: The Fan (Edith Birnie Philip)' - ett av de fullängdsporträtt som han målade av sin syster i svart. (porträtt av teaterproducenten, skribenten och promotorn Lady Archibald Campbell: "Violet och rosa: Carmen skrattar" (ett av porträtten som hon gjorde av sin vän, den italienska konstnären, återförsäljaren och modellen Carmen Rossi: Miss Cicely Alexander och "Miss May Alexander" (dessa flickor var en av hennes två systrar, porträtt av Maut). Piano förevigar hon sin styvsyster Deborah Haden som spelar instrumentet, medan hennes dotter Annie lyssnar uppmärksamt. Utställningen inleds med ett rum inspirerat av Whistlers ateljé.
Fyra självporträtt hänger i utställningen: i hans ateljé. En sticker ut, sällan sett, från en privat samling, där han är målad med en cigarett i handen och andas ut rök, från en privat samling. Från början av sin karriär skapade han sin egen image.
Dessutom bekräftar ny forskning och restaurering av 'Head of a Peasant Woman', 1855, från Hunterian Museum i Glasgow Whistlers författarskap. Han målade den i Paris när han var drygt 20 år gammal, och blev det äldsta bevarade porträttet av konstnären. En annan attraktion med utställningen är dess vackra "Nocturnes".
Det största urvalet som någonsin monterats visas. Från den första, målad i Chile ('Nocturne in Blue and Gold: Valparaíso', 1865-74, till den sista, målad i Italien ('Nocturne in Blue and Gold: San Marcos, Venice, 1880). Bland denna stämningsfulla serie av landskap finns en utlånad från Vita huset.
Målningen gavs i tillägg till presidenten John F. Kennedy, Washington, Washington. Storbritannien ställer ut det för första gången Fyra av Whistlers personliga skissböcker i fickformat följde med honom på hans resor och fångade flyktiga ögonblick i det dagliga livet i olika länder: Storbritannien, Frankrike, Nederländerna, Irland och Algeriet. en ledande anhängare och beskyddare av modern brittisk konst.
Han planerade en överdådig renovering av sin matsal för att visa upp Whistlers målningar tillsammans med sin samling av blå och vit keramik påfåglar. Den visas permanent på Freer Gallery of Art i Washington, och har återskapats för utställningen. Konstkritikern John Ruskin publicerade en svidande recension av 'Nocturne in Black and Gold', där han kallade konstnären för en 'fop' och anklagade honom för att inte lägga tillräckligt mycket ansträngning på sitt arbete, som han höll på med att sätta höga krav på.
Förolämpad av kommentaren och bekymrad över dess inverkan på hans rykte, stämde juryn för ärekränkning, men båda parter var tvungna att betala de juridiska kostnaderna Det är en av de mest stämningsfulla bilderna av London, han publicerade en redogörelse för sina många tvister under den avslöjande titeln "The Subtle Art of Making Enemies" förklarade det på detta sätt: "Han verkade alltid ha startat en revolution med sin mor i Sankt Petersburg." 1849. Han gick på West Point Military Academy, från vilken han blev utvisad vid 21 års ålder flyttade han till Paris, där han anammade dess bohemiska kultur år senare i hopp om att nå framgång. Djupt influerad av asiatisk konst samlade han keramik, textilier och orientaliska tryck (ett urval visas i showen, tillsammans med hans staffli, palett och penslar). 1869 skapade han ett märke för att signera sitt verk, och förvandlade hans initialer, J och W, till en fjäril.
J:et representerar huvudet och svansen, och W:et representerar vingarna. Arrogant och en mästare på självreklam, omdefinierade han vad det innebär att vara konstnär. Whistler var en nyckelfigur i 1800-talets samhälle, lika kontroversiell som han var inflytelserik.
Excentrisk, extravagant, han bar frack och högklackade lackskor med rosett. Han var en karaktär som var lätt att känna igen på sin mustasch, monokel och mycket långa käpp, men också på sin kvickhet och skarpa tunga. Beundrare och kritiker följde noga hans sociala liv, hans debatter, hans konferenser och hans åsikter.
Hans kombination av konstnärlig innovation och offentlig uppträdande påverkade artister som Dalí och Warhol, vars koncept med personligt "varumärke" var skyldig Whistler mycket. Han besökte Dante Gabriel Rossetti, Gustave Courbet, Édouard Manet och Oscar Wildes kretsar. Liksom den senare var han också en elegant, raffinerad och svårfångad dandy.
Han var med och grundade den exklusiva Chelsea Arts Club. Baudelaire ansåg att Whistlers verk var "djup och komplex poesi av enormt kapital." «Färgen ska inte appliceras i tjocka lager. "Det måste vara som andedräkt på glasytan", sa Whistler. Han tenderade att arbeta med en snabb, flytande målarteknik som betonade omedelbarhet.
Hans 'Nocturnes' skapades med tunna lager och glasyrer. Även om han inte var den första att göra det, relaterade han måleri till musik. Han använde de musikaliska termerna 'nocturne', 'symfoni', 'arrangemang' och 'harmoni' i titlarna på många av sina verk.
Han ansåg att måleriet borde vara en sammansättning av visuella element, på samma sätt som musik är en sammansättning av toner och ackord. Verken i hans "Nocturnes"-serie fick namn som frammanar de känslomässiga och atmosfäriska egenskaper som förknippas med musik. Han ville att hans målningar skulle uppskattas för sin visuella harmoni och för samspelet mellan färger, former och texturer.
Curatorn för utställningen, Carol Jacobi, curator för brittisk konst vid Tate Britain, förklarar att "Whistlers karriär anses ha varit europeisk, eftersom den började med att han återvände från USA vid tjugoett års ålder. Faktum är att han arbetade i London och Paris resten av sitt liv och sköt upp sina planer på att besöka sitt hemland förrän, under hans sista "continentillness." var djupt informerad om den europeiska konstnärliga traditionen och var en tvåspråkig figur i det franska och brittiska avantgardet, en energisk reformator av konstnärliga institutioner, utställningar (de förutsåg den moderna vita kubens estetik), marknadsföring och kritik i dessa länder, såväl som deras konst avantgarde för avantgardet."
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
5 july 2026, 00:39
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Rubrik
Whistler, el arrogante dandi que inventó el sutil arte de crear enemigos
Beskrivning
En un museo donde las estrellas son la deslumbrante 'Ofelia' de Millais y la apabullante colección de obras de Turner -también cuelga en sus paredes 'A Bigger Splash', icónica pintura del recientemente fallecido David Hockney -, brilla con luz propia James McNeill Whistler (1834-1903) , uno de los grandes innovadores artísticos de finales del siglo XIX. Creador audazmente experimental y cosmopolita, desafió las convenciones de la sociedad victoriana en busca de la verdad, la belleza y el progreso. Proclamaba 'el arte por el arte'. Redefinió el concepto de artista y fue pionero, creando visiones etéreas y de una belleza asombrosa de la vida moderna, que le valieron un lugar entre los artistas más influyentes del siglo XIX. La Tate Britain de Londres dedica a este transgresor artista y diseñador norteamericano, hasta el 27 de septiembre, la mayor retrospectiva en Europa en treinta años . Reúne 150 obras, incluidas sus pinturas más célebres, junto con obras poco vistas o inéditas, como sus cuadernos de bocetos. Se exhiben retratos, dibujos, grabados y diseños, desde su adolescencia en San Petersburgo hasta los enigmáticos autorretratos de su última etapa. «Una superproducción exuberante y seductora para el pintor que escandalizó a Gran Bretaña», titula la crítica en 'The Guardian'. «Algunas de las pinturas más inquietantemente bellas jamás creadas», escribe el crítico de 'The Independent'. Es muy difícil organizar exposiciones de Whistler. Hay cláusulas en sus legados que no permiten sus préstamos. Las oportunidades, pues, de ver obras de este artista son extremadamente raras. Las muestras más recientes se celebraron en la Tate Gallery de Londres, el Museo d'Orsay de París y la National Gallery of Art de Washington entre 1994 y 1995. Esta nueva exposición, que se ha gestado durante cinco años, viajará en octubre al Museo Van Gogh de Ámsterdam y se completará con otra muestra en la Colección Mesdag de La Haya. Será la primera retrospectiva de Whistler en los Países Bajos, uno de sus lugares favoritos. Rembrandt era su gran inspiración . «Es el país de los artistas. Tiene una atmósfera especial», decía. Van Gogh admiraba a Whistler. Ambos compartían una fascinación por la estética japonesa y expandieron los límites del arte. En una carta a su hermana Willemien, Vincent escribió: «Hay un cuadro que Whistler pintó de su madre. Cuando pienso en la mía, ella también me aparece así». Se refiere a 'Arreglo en gris y negro n.º 1', conocido como 'La madre del artista'. Fue la primera pintura estadounidense en formar parte de la colección del Louvre, hoy en la del Orsay. Es una de las obras más famosas de la historia del arte. Este conmovedor retrato de Anna Whistler regresa, por vez primera en 20 años, a Londres, la ciudad donde fue pintado en 1871. Al parecer, su madre sustituyó a una modelo que no se presentó a la sesión de posado de su hijo. Esta imagen icónica se ha convertido en un símbolo universal de la maternidad. Anna mira melancólica hacia el pasado en un mundo que mira hacia el futuro. La agudeza psicológica del retrato se impone con fuerza en la austeridad formal de la composición. Se exhibe en la exposición flanqueado por un autorretrato de Whistler, 'Arreglo en gris: retrato del pintor', y la imagen de su hermano, 'Retrato del Dr. William Whistler'. Unidos por su uso evocador del color gris, este tríptico de retratos familiares se reúne por primera vez desde que fue pintado. Además, hay otros hermosos retratos: 'Sinfonía en blanco nº 2. La pequeña joven blanca' (o 'La pequeña dama blanca') , de 1864, una de las joyas de la Tate (la mujer retratada es Joanna Hiffernan, amante del pintor y su musa durante años); 'Rojo y negro: El abanico (Edith Birnie Philip)' -uno de los retratos de cuerpo entero que pintó de su cuñada-; 'Arreglo en negro. La dama con botas amarillas' (retrato de la productora teatral, escritora y promotora Lady Archibald Campbell); 'Violeta y rosa: Carmen riendo' (uno de los retratos que hizo de su amiga, la artista italiana, marchante y modelo Carmen Rossi); 'Armonía en gris y verde: Miss Cicely Alexander' y 'Miss May Alexander' (estas niñas eran hermanas); dos retratos de cuerpo entero de Maud Franklin, artista y modelo… En 'Al piano', inmortaliza a su hermanastra Deborah Haden tocando el instrumento, mientras su hija Annie escucha atenta. La exposición se abre con una sala inspirada en el estudio de Whistler. Cuelgan en la muestra cuatro autorretratos : en su estudio, emulando a Rembrandt... Destaca uno de una colección privada, rara vez visto, en el que se pinta con un cigarrillo en la mano y exhalando humo, de una colección privada. Desde principios de su carrera, creó su propia imagen. Además, una nueva investigación y restauración de 'Cabeza de una campesina', 1855, del Hunterian Museum de Glasgow, confirma la autoría de Whistler. La pintó en París con poco más de 20 años, convirtiéndose en el retrato más antiguo del artista que se conserva. Otro de los atractivos de la exposición son sus bellísimos 'Nocturnos'. Se muestra la mayor selección jamás reunida. Desde el primero, pintado en Chile ('Nocturno en azul y oro: Valparaíso', 1865-74, hasta el último, pintado en Italia ('Nocturno en azul y oro: San Marcos, Venecia, 1880). Entre esta evocadora serie de paisajes se halla uno cedido por la Casa Blanca. La pintura fue obsequiada al presidente John F. Kennedy en 1962. Nunca había salido de Washington. Además, la Tate Britain exhibe por primera vez cuatro cuadernos de bocetos personales de Whistler, de tamaño bolsillo. Le acompañaron en sus viajes y capturan momentos fugaces de la vida cotidiana en distintos países: Gran Bretaña, Francia, Países Bajos, Irlanda y Argelia. Aunque nunca fueron concebidos para ser expuestos al público, revelan el afán incesante de Whistler por registrar cada instante. «Ningún día sin una línea», reza su lema . No faltan algunos de los muebles que diseñó. Una sala está dedicada a uno de sus proyectos de decoración más famosos: el comedor de Frederick Leyland, principal defensor y mecenas del arte británico moderno. Este planeó una suntuosa renovación de su comedor para mostrar las pinturas de Whistler junto a su colección de cerámica azul y blanca. Cuando el arquitecto cayó enfermo, Leyland pidió a Whistler que diera los toques finales a la sala. Sin su permiso, la transformó por completo. La llenó de motivos de pavos reales y le dio el título de 'Armonía en azul y oro: la sala del Pavo Real'. Posteriormente, añadió un mural de sí mismo y su mecenas como pavos reales luchando. Se exhibe de forma permanente en la Galería de Arte Freer de Washington, y se ha recreado para la exposición. Whistler se declaró en bancarrota al desafiar a Leyland. No fue la única polémica de su carrera. Hubo una muy sonada. En mayo de 1877, Whistler expuso ocho pinturas en la recién inaugurada Grosvenor Gallery. El crítico de arte John Ruskin publicó una crítica mordaz de 'Nocturno en negro y oro: El cohete que cae', en la que llamaba 'petimetre' al artista y lo acusaba de no esforzarse lo suficiente en su obra, que equivalía a «lanzar un bote de pintura a la cara del público», mientras seguía exigiendo precios elevados por ella. Ofendido por el comentario y preocupado por su impacto en su reputación, Whistler demandó a Ruskin por difamación. El jurado falló a favor de Whistler, pero ambas partes debieron pagar las costas judiciales. «Para empezar, no soy inglés». Así comenzaban las notas de Whistler para sus memorias. Mantuvo otro enfrentamiento con el círculo artístico inglés , que se había mostrado hostil hacia el artista. Durante mucho tiempo fue incomprendido en Inglaterra. Él expresó su deseo de que no se celebrara ninguna exposición conmemorativa de su obra en Londres. Ni una sola obra de Whistler fue comprada por una institución inglesa durante su vida. Finalmente, se adquirió 'Nocturno en azul y oro: puente viejo de Battersea' para la Tate. Es una de las imágenes más evocadoras de Londres. De carácter pendenciero, publicó un relato de sus numerosas disputas bajo el revelador título 'El sutil arte de crear enemigos'. El crítico de arte Roger Fray lo explicó así: « Parecía estar siempre comenzando una revolución ». James McNeill Whistler nació en Lowell (Massachusetts, Estados Unidos) en 1834. En 1843 se trasladó con su familia a San Petersburgo, donde su padre, el mayor Whistler, supervisaba la construcción del primer ferrocarril importante entre Moscú y San Petersburgo. En esta ciudad rusa estudió arte. Regresó a Estados Unidos con su madre viuda y su hermano en 1849. Asistió a la Academia Militar de West Point , de donde fue expulsado. A los 21 años se mudó a París, donde adoptó su cultura bohemia. Años después se estableció en Londres con la esperanza de alcanzar éxito. Hasta su muerte en 1903, alternó su residencia entre Inglaterra y Francia. Profundamente influenciado por el arte asiático, coleccionó cerámica, textiles y grabados orientales (una selección se exhibe en la muestra, junto con su caballete, su paleta y sus pinceles). En 1869 creó una marca para firmar su obra, convirtiendo sus iniciales, J y W, en una mariposa . La J representa la cabeza y la cola, y la W, las alas. Arrogante y maestro de la autopromoción , redefinió lo que significa ser un artista. Whistler fue una figura clave en la sociedad del siglo XIX, tan controvertido como influyente. Excéntrico, extravagante , vestía frac y llevaba zapatos de tacón de charol con lazos. Era un personaje fácilmente reconocible por su bigote, el monóculo y el larguísimo bastón, pero también por su ingenio y su lengua afilada. Admiradores y críticos seguían de cerca su vida social, sus debates, sus conferencias y sus opiniones. Su combinación de innovación artística y actuación pública influyó en artistas como Dalí y Warhol , cuyo concepto de 'marca' personal debía mucho a Whistler. Frecuentaba los círculos de Dante Gabriel Rossetti, Gustave Courbet, Édouard Manet y Oscar Wilde . Al igual que este último, también era un dandi elegante, refinado y escurridizo. Cofundó el exclusivo Chelsea Arts Club. Baudelaire consideraba la obra de Whistler como una «poesía profunda y compleja de un inmenso capital». «La pintura no debe aplicarse en capas gruesas. Debe ser como el aliento sobre la superficie de un cristal», decía Whistler. Solía trabajar con una técnica pictórica rápida y fluida que enfatizaba la inmediatez. Sus 'Nocturnos' fueron creados con capas finas y veladuras. Aunque no fue el primero en hacerlo, relacionó la pintura con la música . Utilizó los términos musicales 'nocturno', 'sinfonía', 'arreglo' y 'armonía' en los títulos de muchas de sus obras. Creía que la pintura debía ser una composición de elementos visuales, del mismo modo que la música lo es de notas y acordes. Las obras de su serie 'Nocturnos' recibieron nombres que evocan las cualidades emocionales y atmosféricas asociadas a la música. Quería que sus pinturas fueran apreciadas por su armonía visual y por la interacción entre colores, formas y texturas. La comisaria de la muestra, Carol Jacobi , conservadora de arte británico en la Tate Britain, explica que «se considera que la carrera de Whistler fue europea, ya que comenzó con su regreso de Estados Unidos a los veintiún años. De hecho, trabajó en Londres y París durante el resto de su vida, posponiendo sus planes de visitar su país natal hasta que, durante su última enfermedad, concluyó: «No se puede decepcionar continuamente a un continente». Estaba profundamente informado sobre la tradición artística europea y era una figura bilingüe en la vanguardia francesa y británica, un enérgico reformador de las instituciones artísticas, las exposiciones (anticiparon la estética moderna del cubo blanco), el marketing y la crítica en esos países, así como de su arte. Fue uno de los primeros en comprender el poder de la fama, la performance, la autoedición y el escándalo para impulsar sus ideas. Whistler era demasiado vanguardista para la vanguardia ».
