"Men... är det här konsten?": Duchamp återkommer med sin fråga
MoMA-gallerierna en stormig sommardag är skådeplatsen för ett speciellt möte: turister utan en uttalad förkärlek för modern och samtida konst och den bästa samlingen i världen från dessa perioder. Ett besök på MoMA är ett obligatoriskt stopp på många turer i New York; Det ingår i resepaketen och är en luftkonditionerad paus från den tropiska värmen och ett tak när en filt av vatten faller. Men bland spänningen av att se 'The Young Ladies of Avignon' av Picasso eller 'The Starry Night' av Van Gogh, finns också det konstiga i mörkare, oförståeliga eller absurda verk. "Men... är det här konst?" frågar många.
Frågan är allt annat än dum. Vi har gjort det sedan Aristoteles och Platon och det gäller än idag. Men den som formulerade det starkast, den som har mest påverkat konstvärlden genom att ifrågasätta, skaka, sträcka på sig och skratta åt dess svar är på sjätte våningen i MoMA.
Där ägnar New York-museet fram till den 22 augusti en omfattande retrospektiv till Marcel Duchamp, den ikonoklastiske franske konstnären. Ja, den med pissoaren. Ja, den med Mona Lisa mustasch.
Är Duchamp den mest banbrytande artisten i historien? Picasso kan vara med i kampen, med den seismiska rörelsen bort från figuration som förändrade konsten för alltid. Hilma af Klint och Kandinsky var de första abstrakta konstnärerna.
Men när han vandrade genom MoMA-gallerierna markerar hans inverkan på de dominerande rörelserna sedan 1960-talet - konceptuell konst, pop - honom kanske som den mest inflytelserika. Det är därför det är förvånande att det inte har funnits en Duchamp-retrospektiv i USA – landet dit han tog sin tillflykt 1942, under världskriget, och blev bara ytterligare en New Yorker – på mer än ett halvt sekel. Många ikoniska delar av hans verk finns i närheten här på Philadelphia Museum of Art, dit Duchamp-showen kommer att resa i höst.
Men det var länge sedan det hölls en utställning som förklarar och placerar den franske konstnärens betydelse. MoMA-utställningen gör det genom en kronologisk resa, som börjar i Duchamps tonår (1887-1968), med akvareller där han ritade sina systrar eller lokala landskap i Normandie, där han växte upp. Det var vad konventionella målare gjorde vid sekelskiftet, impressionistiska verk.
Men Duchamp skakade av sig allt det så fort han flyttade till Paris. Som man kan se på MoMAs väggar experimenterade han omedelbart med tidens avantgarde, med målningar i Cézanne-stil - som ett porträtt av sin far -, målningar i Gauguin-stil och, mycket snart, anammade Picassos och Braques kubism. Men 1912, vid 25 års ålder, var han redan pionjären. "Jag är en medlem av avantgardet", sa han då. "Jag vill göra problem." Hans vision om kubism i rörelse, med tydlig påverkan av filmens begynnande rörliga bild, kristalliserades med 'Nude Descending a Staircase'.
Målningen väckte upprördhet och avvisades i Hall of Independents. Men det reste till Armory-utställningen i New York året därpå och orsakade skandal, debatt, fascination och första berömmelse för Duchamp. Men konstnären såg snart att hans förmåga att göra en röra med färg snart skulle vara uttömd.
Hans sista målning - som har föremål korsade - är från 1918, då han var knappt trettio år gammal. Då hade han redan börjat radikalt förändra uppfattningen om vad konst är eller kan vara med sina 'readymades', sina 'hittade föremål'. En hundkam i metall eller ett cykelhjul kan vara konst.
Att förstöra idéerna om talang, skicklighet, estetiskt utförande, geniet att definiera vad ett konstverk är. "Valet av 'hittade föremål' är alltid baserat på visuell likgiltighet, på den totala frånvaron av god eller dålig smak", sa han. "De är konventionella föremål upphöjda till ett konstverks värdighet genom konstnärens val." Det vill säga, det är konst 'för att jag sa det'. Det mest kända "hittade föremålet" är naturligtvis urinalen. Den har titeln "Source" och är från 1917.
Han försökte inkludera den på en utställning av banbrytande konst i New York det året och den avvisades. Flera decennier senare blev "hittade föremål" avantgarde. Nuförtiden är det en konventionell praxis, till och med utsliten.
Originalet av "Fuente" gick förlorat, liksom nästan alla "readymades" som Duchamp gjorde. Men här införde han ytterligare ett brott i konstuppfattningen. Han var en pionjär när det gäller repliker, av återskapanden av sina egna verk, som omkullkastade och ifrågasatte begreppet "originalitet".
Ett annat sätt att förvandla konst var att skratta åt den, att relativisera genialiteten och betydelsen av de ikoner som vi älskar av vana. Till exempel med mustascherna han placerade på Da Vincis Mona Lisa, en barnslig, banbrytande, provocerande och befriande gest. Han lekte också med frågan om författarskap och skapade "alter egon" som gjorde sina egna konstverk.
Den mest kända och mest provocerande är Rrose Sélavy (en ordlek som betyder "Eros, det är livet", på franska). Man Ray fotograferade Duchamp omvandlad till hans feminina utskrift. Duchamp försökte "sätta konsten i idéernas tjänst".
Alla avantgarder från slutet av 1900-talet fram till idag drack ur den bristningen. Han är fadern till konceptkonsten och popkonsten, som har dominerat – på gott och ont – det konstnärliga skapandet de senaste decennierna. Och efter att ha brutit den meddelade han att han lämnade konsten och ägnade sig åt schack.
Han odlade sin kärlek till detta spel i decennier, deltog i turneringar och hans kontakt med konst var mer i hans egenskap av curator, rådgivare eller återförsäljare. Men under många år, när han troddes vara pensionerad, höll han ett hemligt konstprojekt i sin lägenhet på 14th Street i New York: en störande installation, storleken på ett litet rum, med en skulptur av en naken kvinna sedd genom små hål, med känslan av att titta på ett diorama. Den lämnar inte sin permanenta plats i Philadelphia, men utställningen fångar hela processen.
Detta sista projekt var en bekräftelse på att Duchamp, bland så många strider för att skaka konst, dog som konstnär. Han kände igen det i slutet av sitt liv: "Utan tvekan är jag inget annat än en konstnär och glad över att vara det."
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
8 august 2026, 01:09
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
«Pero… ¿esto es arte?»: Duchamp vuelve con su pregunta
Beskrivning
Las galerías del MoMA en un día de tormenta veraniega son el escenario de un encuentro especial: turistas sin una afición pronunciada por el arte moderno y contemporáneo y la mejor colección del mundo de estos periodos. La visita al MoMA es parada obligada en muchos 'tours' en Nueva York; se incluye en paquetes turísticos y es un respiro de aire acondicionado para el calor tropical y un techo cuando cae una manta de agua. Pero entre la emoción de ver 'Las señoritas de Aviñón' de Picasso o 'La noche estrellada' de Van Gogh, también está la extrañeza ante obras más oscuras, ininteligibles o absurdas. «Pero… ¿esto es arte?», se preguntan muchos. La pregunta es cualquier cosa menos tonta. Nos la hemos hecho desde Aristóteles y Platón y sigue vigente hoy. Pero quien la formuló con más fuerza, quien más ha influido en el mundo del arte cuestionando, agitando, estirando y riéndose de su respuesta está en el sexto piso del MoMA. Allí, hasta el 22 de agosto, el museo neoyorquino dedica una retrospectiva amplia a Marcel Duchamp , el iconoclasta artista francés. Sí, el del urinario. Sí, el del bigote de la Mona Lisa. ¿Es Duchamp el artista más rompedor de la historia? Picasso podría estar en la pelea, con el movimiento sísmico de alejamiento de la figuración que cambió para siempre el arte. Hilma af Klint y Kandinsky fueron los primeros abstractos. Pero, paseando por las galerías del MoMA, su impacto en los movimientos dominantes desde la década de 1960 -el arte conceptual, el pop- quizá le señalan como el más influyente. Por eso es sorprendente que no haya habido una retrospectiva de Duchamp en EE.UU. -el país donde se refugió en 1942, durante la Guerra Mundial, convertido en un neoyorquino más- en más de medio siglo. Muchas piezas icónicas de su obra están alojadas cerca de aquí, en el Museo de Arte de Filadelfia, donde la muestra de Duchamp viajará este otoño. Pero hacía mucho tiempo que no se celebraba una exposición que explique y sitúe la importancia del artista francés. La expo del MoMA lo hace a través de un recorrido cronológico, que arranca en la adolescencia de Duchamp (1887-1968), con acuarelas en las que dibujaba a sus hermanas o paisajes locales de Normandía, donde creció. Era lo que entonces hacían los pintores convencionales en el cambio de siglo, obras de corte impresionista. Pero Duchamp se sacudió de todo eso en cuanto se trasladó a París. Como se ve en las paredes del MoMA, experimentó de inmediato con las vanguardias de entonces, con cuadros a lo Cézanne -como un retrato de su padre-, a lo Gauguin y, muy pronto, adoptando el cubismo de Picasso y Braque . Pero para 1912, con 25 años, el rompedor ya era él. «Soy un miembro de la vanguardia», dijo entonces. «Quiero armar lío» . Su visión del cubismo en movimiento, con clara influencia de la incipiente imagen en movimiento del cine, cristalizó con 'Desnudo bajando una escalera'. El cuadro causó indignación y fue rechazado en el Salón de los Independientes. Pero sí viajó a la exposición del Armory de Nueva York al año siguiente y provocó escándalo, debate, fascinación y fama primera para Duchamp. Pero el artista vio pronto que su capacidad de armar lío con la pintura se le agotaría pronto. Su último cuadro -que lleva objetos atravesados- es de 1918, apenas cumplidos los treinta años. Para entonces, ya había empezado a cambiar de forma radical el concepto de lo que es o puede ser arte con sus 'readymade', sus 'objetos encontrados'. Un peine metálico de perros o una rueda de una bicicleta podían ser arte. Al traste con las ideas del talento, la habilidad, la ejecución estética, el genio para definir qué es una obra de arte. «La elección de los 'objetos encontrados' siempre está basada en la indiferencia visual, en la ausencia total de buen o mal gusto», dijo. «Son objetos convencionales elevados a la dignidad de obra de arte por elección del artista». Es decir, es arte 'porque lo digo yo'. El 'objeto encontrado' más célebre, por supuesto, es el urinario . Lleva el título 'Fuente' y es de 1917. Lo trató de incluir en una muestra de arte puntero de Nueva York ese año y se lo rechazaron. Varias décadas después, los 'objetos encontrados' se convirtieron en vanguardia. Hoy en día es una práctica convencional, incluso gastada. El original de 'Fuente' se perdió, como casi todos los 'readymades' que hizo Duchamp. Pero aquí introdujo otra quiebra en la concepción del arte. Fue un pionero de las réplicas, de las recreaciones de sus propias obras, tumbando y cuestionando el concepto de la 'originalidad'. Otra forma de transformar el arte fue reírse de él, relativizar el genio y la importancia de los iconos que adoramos por costumbre. Por ejemplo, con los bigotes que le colocó a la Mona Lisa de Da Vinci , un gesto infantil, rompedor, provocador y liberador. También jugó con la cuestión de la autoría, creando 'alter egos' que hacían sus propias obras de arte. El más conocido y provocador es Rrose Sélavy (un juego de palabras que significa 'Eros, así es la vida', en francés). Man Ray fotografió a Duchamp convertido en su trasunto femenino. Duchamp buscó «poner el arte al servicio de las ideas». De esa ruptura bebieron después todas las vanguardias desde finales del siglo XX hasta hoy. Él es el padre del arte conceptual y del arte pop, que han dominado -para bien o para mal- la creación artística de las últimas décadas. Y después de romperlo, anunció que dejaba el arte y que se dedicaba al ajedrez . Cultivó su afición por este juego durante décadas, participó en torneos y su contacto con el arte era más en su capacidad de comisario, asesor o marchante. Pero durante muchos años, cuando se le creía retirado, mantuvo un proyecto artístico secreto en su apartamento de la calle 14 de Nueva York: una instalación inquietante, del tamaño de una pequeña habitación, con una escultura de una mujer desnuda que se ve a través de pequeños agujeros, con la sensación de estar mirando un diorama. No sale de su ubicación permanente, en Filadelfia, pero la muestra recoge todo el proceso. Este último proyecto fue la confirmación de que, entre tantos enfrentarse por sacudir el arte, Duchamp murió siendo artista. Lo reconoció al final de su vida: «Sin duda, no soy nada más que un artista, y encantado de serlo».