Veckans rekord: Lee 'Scratch' Perry's Posthumous Rarity
Det här är urvalet som ABC-kritiker har gjort av de senaste albumen som har publicerats. Hur är Lee 'Scratch' Perry, må hans ära, och Musen på Mars likadana? Så till en början ingenting: varmt och oregerligt blod antagligen hällt – upprört, inte blandat – på provrören som Jan St.
Werner och Andi Toma, kylans essäister, arbetar med. Konstigare saker har setts och hörts än denna 'Spatial, No Problem', en grönare av lagrarna för en reggaefader som några månader före sin död ville ge sig själv i Berlin nöjet och nycket att rättfärdiga sig själv, och på ett stort sätt, som vad många, vaggade i hängmattan av vanliga platser och palmer, har glömt vad han var, en stor inhemsk teknikfan och en pionjär av experiment. Mixen är överväldigande, vanställd av improvisation och brist på komplex, kanske ett slöseri med tid och talang.
Mouse on Mars ger mekaniskt utrymme för deklamationerna av en redan terminal, men inte färdig, Perry. Före S:t Werner och Toma fanns han, någon annanstans och vid en annan tidpunkt. På gott och ont, det finns inget nytt i denna 'Crawlspace Of The Pantheon' som du inte har hört tidigare på Guided By Voices.
Jag tror inte heller att Robert Pollards följare vill ha något annorlunda, för det han gör gör han väldigt bra, eftersom han i mitten av 80-talet växte fram som en märklig och melodiskt mäktig kraft i Yankee-undergrounden. Den har inte det geni eller experimenterande som den där "Alien Lanes" (1995), men i det här senaste verket, deras fyrtiotredje studioalbum, var försiktig!, fortsätter The Guided att behålla sin förmåga att förvandla till synes enkla och vanliga låtar till extraordinära sådana, utan mycket tillbehör, men med den ovanliga blandningen av smutsig-pop, produktion. De är (och fortsätter att vara) den perfekta korsvägen mellan Beatles och Replacements.
Från öppningen av 'Lost In The Sun' till avslutningen av 'When You're My Clown (Nothing Happens)' fungerar allt som ett kompakt block där det inte finns några dalar eller toppar eller överraskningar. Den vackra refrängen av 'Out With A Theory', Beach Boys-liknande "da, da, da" av 'A Gran Ceremonial Jesper', mörkret från 'Arhur Square' hämtat från ett gammalt Sebadoh-album... Allt finns där, på sin plats, för det goda och det onda...
Om någon berättade för dig att ett av de bästa Death Cab For Cutie-albumen sedan Walla skulle höja 206, kanske du skulle komma till Walla206. ögonbryn.
Här är vi. Utan överdriven optimism låter 'I Build You A Tower' bra, för ett band som har tröttnat på att utforska för att fokusera på sin egen grej, hur hackigt det än kan låta.
Och pojken fungerar det. Om jag tittar på andra recensioner ifall jag hade känslorna som ibland uppstår när du lyssnar på ett album av ett band du gillar efter några år i tystnad, har jag verifierat att de placerar det bland sina mest solida verk på mer än ett decennium.
Bra. Den känslomässiga intensiteten är inte ballistisk (Gibbards skilsmässa svävar ibland mindre subtilt än andra på grund av vissa teman) och kompositionsinspirationen verkar ibland leva en andra ungdom. Trots de personliga omständigheterna som nämnts är det inte så att skivan är en terapisession med gitarrer.
Sorg förvandlas till skarpa, melodiska och överraskande energiska låtar. Det finns stunder som refererar till Death Cab i början av seklet, som om Walla inte hade lämnat. De börjar med ett melodiskt och långsamt – och kanske mystiskt – 'Full Of Stars' för att markera kontrapunkten i nästa låt, 'Punching The Flowers', med väldigt intensiva trummor från början och gitarrer som ger den nödvändiga kanaliseringen.
Det är inte "transatlanticism" och det kommer det aldrig att bli, men på något sätt låter de mer ivriga. De lämnar inte efter sig ekot som omger många av deras produktioner men de går enkelt i andra, mer verkliga och tydliga som den tidigare nämnda "Pegando a las flores" eller "Stone Over Water", traditionell poprock. Särskilt omnämnande av låtarna som ger albumet dess titel, och jag säger det i plural: 'I Build You A Tower' har sin A-sida, perfekt för att illustrera ett saftigt avsnitt av Netflix-serien och dess syster Mr.
Hyde i slutet av albumet, mörkare och hårdare, vilket visar sig vara en perfekt metafor för gruppens mångsidighet.
Rätt njutbart. Tre små franska individer dyker upp i rummet där de ska spela den kvällen. Promotorn andas: «Tre, uff tack och lov.
Idag kommer vi inte ha problem med grannarna. Den trojanska hästen har passerat porten.
De kopplar ihop sina prylar. De fortsätter med sin första lapp för att riva hela kvarteret med en chockvåg som tar bort grunder, vridna metaller, husdjur och de stackars grannarna. De är Slift och deras sound är gigantiskt, massivt, överväldigande, "större än livet".
Jean Fossat sjunger nästan en oktav högre än i tidigare släpp och gör att materialet har, i gommen, "toner" närmare metal än den stoner och psykedeliska rock som de är kända för. De maffiga elgitarrerna smälter samman med de kolossala basarna och synthesizerna och transporterar oss till en mörk och rumslig värld ('The Day Of Execution'), om än motsägelsefullt också mångfärgade ibland ('Fantasia'). Men okontrollerad brutalitet är till ingen nytta.
Ja, ibland kan man se klarhet i kompositionerna och ofta missar man det där 'je ne sais quoi' som gör ett album briljant. Låtar, det är "quoi". Powertrion reflekterar över en värld på gränsen till kollaps, ett banalt tema, låt oss inte lura oss själva, men de gör det på ett elegant sätt.
Å andra sidan är det ett tema som inte kommer som någon överraskning för dem av bruset från högtalarna. De som är ett stort fan kommer att gilla det, men de som ska träffa dem igen rekommenderar jag att de börjar någon annanstans. Kanske 'Ummon'?
Döm själv. Vad gör du efter att ha upplöst din grupp efter att ha bytt elektronisk musik för alltid? Daft Punks tomhet har känts sedan ackorden i 'Touch' senast gav eko i deras avskedsvideo, tillbaka 2021.
Sedan dess har Bangalter, en av halvorna av robotduon, tagit av sig hjälmen och tagit av sig hjälmen och tagit sig bort från dansgolvet, komponerat partitur för balett och fokuserat på en mer konstnärlig och konceptuell sida av den musikaliska duon. Den första soloversionen var 'Mythologies' (2022), en skvätt kallt vatten för de miljontals fans som hoppades att det var ett skämt, att, nej, de skildes inte definitivt åt. Kaffe för kaffeälskare, verket var influerat av amerikansk minimalism och var svårt att lyssna, såvida man inte var väl insatt i tolvtonsmusik.
Åtminstone med honom, om man lämnade synthesizers bakom sig, var instrumentens struktur organiska, och man kunde föreställa sig dansarna. I 'Mirage', hans senaste släpp, återvänder han till syntetiska ljud, men det är omöjligt att tänka på de 16 dansare som titeln anspelar på. Det är ett ambient album där det inte händer så mycket.
Ja, produktionen är oklanderlig och fördjupar dig i en introspektiv och lite illavarslande atmosfär, som soundtracket till ett skandinaviskt drama. Det kommer, liksom de skandinaviska dramerna, att finnas de som kommer att hävda att "du bara inte förstår det". Det kommer att finnas de av oss som säger att de helt enkelt är skräp.
Var det hela en dröm? Politisk, subversiv; ett rapalbum som Gud tänkt. Ett konsekvent album som inte sätter ihop slumpmässiga singlar, utan fungerar som en unik kombo och vars 'leitmotiv' är den amerikanska nationen.
Staples uppnår ett fräscht ljud genom att smälta samman rap med organisk instrumentering med distorderade gitarrer, bas och trummor, och rör sig bort från de syntetiska och minimalistiska baser som vi var vana vid. Och även om Vince själv insisterar på att förneka det, utstrålar albumet punkrock från alla håll, som påminner om OutKasts energi från öppningen med 'Blackberry Marmalade'. Rapparen, som har blivit en krönikör av det amerikanska samhället, kritiserar enträget polisbrutalitet och systemisk rasism. "Det är dags för en revolution, det här är mörka tider för de 'melaniserade'", säger han i 'The Running Man I 'White Flag' fortsätter han med scenerna av maktmissbruk, men insisterar på att stoppa våldsspiralen: "Vit flagga, jag vill inte fortsätta slåss." På det här albumet, som doftar av den kaliforniska kusten, inbjuder Staples dig att bryta allt.
Det är ett projekt som förtjänar att höras. Men trots den solida texten har vissa låtar som 'Only In America' extremt enkla, repetitiva och tråkiga refränger som står i kontrast till belastningen av mening och dynamik i resten av låten.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
12 june 2026, 02:25
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
Discos de la semana: la rareza póstuma de Lee 'Scratch' Perry
Beskrivning
Esta es la selección que han hecho los críticos de ABC de los últimos discos que se han publicado. ¿En qué se parecen Lee 'Scratch' Perry, que en gloria esté, y los Mouse on Mars? Así a primeras, en nada: sangre caliente y revoltosa presuntamente vertida -agitada, no mezclada- sobre los tubos de ensayo con los que trabajan Jan St. Werner y Andi Toma, ensayistas de la frialdad. Cosas más raras se han visto y oído que este 'Spatial, No Problem', reverdecimiento de los laureles de un padre del reggae que pocos meses antes de morir quiso darse en Berlín el gusto y el capricho de reivindicarse, y a lo grande, como lo que muchos, mecidos en la hamaca de los lugares y las palmeras comunes, han olvidado lo que fue, un pionero de la experimentación doméstica y un gran aficionado a la tecnología. La mezcla es sobrecogedora, desfigurada por la improvisación y la falta de complejos, quizás una pérdida de tiempo y de talento. Mouse on Mars cede espacio mecánico para las declamaciones de un Perry ya terminal, pero no acabado. Antes que St. Werner y Toma, estuvo él, en otro lado y en otro tiempo. Para lo bueno y para lo malo, no hay nada nuevo en este 'Crawlspace Of The Pantheon' que no hayas escuchado antes en Guided By Voices. Tampoco creo que los seguidores de Robert Pollard quieran algo diferente, porque lo que hace, lo hace muy bien, desde que surgiera a mediados de los 80 como una fuerza extraña y melódicamente poderosa del 'underground' yanqui. No tiene la genialidad ni experimentación de aquel 'Alien Lanes' (1995), pero en este último trabajo, su cuadragésimo tercer disco de estudio, ¡ojito!, los Guided siguen manteniendo intacta su capacidad para convertir canciones aparentemente sencillas y ordinarias en extraordinarias, sin mucha parafernalia, pero con esa inusual mezcla de pop sucio, punk y producción lo-fi. Son (y siguen siendo) la encrucijada perfecta entre los Beatles y los Replacements. Desde la apertura de 'Lost In The Sun' hasta el cierre de 'When You're My Clown (Nothing Happens)', todo funciona como un bloque compacto en el que no hay valles ni cimas ni sorpresas. El bonito estribillo de 'Out With A Theory', el «pa, pa, pa» a lo Beach Boys de 'A Gran Ceremonial Jesper', la oscuridad de 'Arhur Square' sacada de un viejo disco de Sebadoh… Todo está ahí, en su sitio, para lo bueno y para lo malo.. Si alguien te dijera que uno de los mejores discos de Death Cab For Cutie desde la marcha de Chris Walla iba a llegar en 2026, quizá levantarías una ceja. Pues aquí estamos. Sin optimismos exagerados, 'I Build You A Tower' suena bien, a una banda que se ha cansado de explorar para centrarse en lo suyo, por manido que suene. Y vaya si funciona. Bicheando otras críticas por si a mí me había podido la emoción que a veces surge cuando escuchas un álbum de una banda de tu agrado tras unos años en silencio, he comprobado que lo sitúan entre sus trabajos más sólidos en más de una década. Bien. La intensidad emocional no se hace bola (el divorcio de Gibbard sobrevuela a veces menos sutil que otras por algunos temas) y la inspiración compositiva parece a ratos vivir una segunda juventud. Pese a las circunstancias personales mencionadas, tampoco es que el álbum sea una sesión de terapia con guitarras. La tristeza se torna en canciones afiladas, melódicas y sorprendentemente enérgicas. Hay momentos que remiten al Death Cab de principios de siglo, como si Walla no se hubiera marchado. Arrancan con una melódica y pausada -y acaso mística- 'Full Of Stars' para marcar el contrapunto en la siguiente pista, 'Punching The Flowers', con una batería bien intensa desde el principio y guitarras aportado el canallismo necesario. No es 'Transatlanticism' y nunca lo será, pero de algún modo suenan con más ganas. No dejan atrás el eco que envuelve muchas de sus producciones pero van a lo simple en otras, más reales y nítidas como la mencionada 'Pegando a las flores' o 'Stone Over Water', pop rock del de toda la vida. Mención especial a las canciones que dan título al disco, y digo bien en plural: 'I Build You A Tower' tiene su cara A, ideal para ilustrar un capítulo ñoño de serie de Netflix y su hermana Mr. Hyde al final del álbum, más oscura y cañera, que resulta ser una perfecta metáfora de la versatilidad del grupo. Bastante disfrutable. Tres individuos franceses con pinta de poca cosa se presencian en la sala en la que van a tocar esa noche. El promotor respira: «¡Tres, uff menos mal. Hoy no tendremos problemas con los vecinos». El caballo de Troya ha cruzado el portón. Conectan sus cacharros. Proceden con su primera nota a derribar el barrio entero con una onda expansiva que se lleva por delante cimientos, metales retorcidos, mascotas y a los pobres vecinos. Son Slift y su sonido es gigante, masivo, apabullante, 'bigger than life'. Jean Fossat canta casi una octava más alto que en entregas anteriores y hace que el material tenga, en paladar, 'notas' más cercanas al metal que al stoner y el rock psicodélico por los que se les conoce. Las mastodónticas guitarras eléctricas empastan con los colosales bajos y sintetizadores y nos transportan a un mundo oscuro y espacial ('The Day Of Execution'), aunque contradictoriamente también multicolor por momentos ('Fantasia'). Pero la brutalidad sin control no sirve de nada. Sí, en ocasiones se divisa claridad en las composiciones y, a menudo, se echa de menos ese 'je ne sais quoi' que hace que un disco sea brillante. Canciones, ese el 'quoi'. El power trío reflexiona sobre un mundo al borde del colapso, tema un pelín trillado, no nos engañemos, pero lo hacen de forma elegante. Por otro lado, es una temática que les viene que ni pintado a los del ruidito de los altavoces. Al que sea muy fan le gustará pero al que vaya a conocerles de nuevas les recomiendo que comiencen por otro lado. ¿Tal vez 'Ummon'? Juzguen ustedes mismos. ¿Qué haces después de disolver tu grupo después de haber cambiado la música electrónica para siempre? El vacío de Daft Punk se siente desde que los acordes de 'Touch' reverberaron por última vez en su vídeo de despedida, allá por 2021. Desde entonces Bangalter, una de las mitades del dúo robótico se ha quitado el casco y se ha alejado de la pista de baile, componiendo partituras para ballets y centrado en una faceta más artística y conceptual de la música. La primera entrega en solitario fue 'Mythologies' (2022), un jarrazo de agua fría para los millones de fans que albergaban esperanzas de que fuera una broma, de que, no, no se separaban definitivamente. Café para cafeteros, la obra tomaba influencias del Minimalismo Americano y era una escucha difícil, a menos que estuvieras bien versado en la dodecafonía. Al menos con él, dejando atrás los sintetizadores, las texturas de los instrumentos eran orgánicas, y uno podía imaginar a los bailarines. En 'Mirage', su última entrega, vuelve a los sonidos sintéticos, pero es imposible pensar en los 16 bailarines a los que alude el título. Es un disco de ambient en el que no pasa gran cosa. Sí, la producción es impecable y te sume en una atmósfera introspectiva y un poco ominosa, como la banda sonora de un drama escandinavo. Habrá, como los dramas escandinavos, quien afirme que «simplemente no lo entiendes». Estaremos, los que digamos que son, simplemente, un bodrio. ¿Fue todo un sueño? Político, subversivo; un disco de rap como dios manda. Un álbum consistente que no junta singles aleatorios, sino que funciona como un combo único y cuyo 'leitmotiv' es la nación estadounidense. Staples logra un sonido fresco fusionando rap con una instrumentación orgánica a punta de guitarras distorsionadas, bajo y batería, alejándose de las bases sintéticas y minimalistas a las que nos tenía acostumbrados. Y aunque el propio Vince se empeñe en negarlo, el álbum destila punk rock por los cuatro costados, recordando a la energía de OutKast desde la apertura con 'Blackberry Marmalade'. El rapero, convertido en un cronista de la sociedad estadounidense, critica insistentemente la brutalidad policial y el racismo sistémico. «Ya es hora de una revolución, son tiempos oscuros para los 'melanizados'», dice en 'The Running Man'; en 'White Flag' continúa con las escenas de abuso de poder, pero insiste en frenar la espiral de violencia: «Bandera blanca, no quiero seguir peleando». En este disco, que huele a costa californiana, Staples invita a romperlo todo. Es un proyecto que merece ser oído. Sin embargo, y a pesar de la sólida lírica, algunas canciones como 'Only In America' tienen coros extremadamente simples, repetitivos y aburridos que contrastan con la carga de significado y dinamismo del resto de la canción.
