Hilma af Klints överraskande liv berättat i en serie
Jag gillar få saker mer än serier som reflekterar över konst och, särskilt om nämnda reflektion angriper hjärtat av avantgardekonsten; eller, om du föredrar, till den allmänt accepterade konstruktionen om framväxten av abstraktion i konsten och därför till själva begreppet samtidskonst. Detta är fallet. 'Hilma af Klint, rösten i templet' (2026) är en serie som för läsaren närmare en av de mest överraskande gestalterna inom 1900-talets konst, eftersom denna konstnär på sätt och vis ligger före Kandinsky själv i tiden, eftersom hon producerar helt abstrakta målningar före den ryske målaren.
Hans figur är obestridlig idag. Utan att gå längre, medan jag skriver dessa rader, har en utställning precis öppnat på Grand Palais i Paris där hela samlingen av hans monumentala 'Tempelmålningar' (1906-1915) ställs ut, som anses vara ett av de grundläggande verken av abstrakt konst. Men vad jag tycker är riktigt fascinerande är att samma författare hävdade att dessa målningar var ett budskap för framtiden.
En framtid lite mindre än dikterad av ett slags entiteter från andra andliga plan som hon kallade "höga mästare". Detta förbinder det med en verklighet som är mer typisk för 1800-talet, en tid då förnuftet i västvärlden var sjukt av orientalism, och rosenkorsare, teosofer och andra tankedoktriner som förespråkar existensen av en annan verklighet bortom den förnuftiga blev på modet i det gamla Europa. Det här är åren då synska och spiritualister påstår sig föra det härefter närmare livet efter detta.
Åren då de symbolistiska målarna segrade, många av dem med en romantisk tanke nära det irrationella, fulla av allegorier och mystik. Sanningen är att jag har en speciell kärlek till karaktärer så motsägelsefulla som Hilma af Klint. De påminner mig om att "avantgardet" också är en konstruerad myt som hyllar det som passar och hörn det som inte passar.
Men för att börja med, vad gör den här versionen av Hilma i vinjetter unik? Vad erbjuder den läsaren som inte kan upptäckas i någon av texterna i utställningskatalogerna tillägnade denna unika skapares verk? Jo, med några få ord: mycket och väl berättat.
Som vanligtvis händer i dessa fall, är konstnärers vision om vilket ämne som helst – och serietecknarna i denna serie utan tvekan – vanligtvis långt ifrån konstteoretikers. César Herce, manusförfattaren, utgår från uttömmande dokumentation och bestämmer sig helt enkelt för att överskrida den på ett briljant sätt. Och så blir det rätt och ger det där extra som gör det här arbetet till något unikt och speciellt.
För att möta en utmaning av dessa egenskaper ställs enligt min mening den grundläggande frågan: «Hur möter Hilma sina rädslor, sina motsägelser? Hur hanterar du smärta i ditt liv? Hilma gör det genom konsten.
På sidorna i denna serie jämför hon Hilma med andra kreativa kvinnor, som Georgiana Houghton, ett brittiskt medium född på Kanarieöarna som redan 1861 började producera helt abstrakta teckningar i spiritistiska sessioner, där andar styrde hennes händer. Din anledning? Smärtan.
Din motivation? Att kontakta en mycket kär syster som dog 1851. Hon döper även andra liknande fall efter Hilma, som Josefa Tolrà i Abril, ett medium och konstnär som, förkrossad över förlusten av sina tre barn, började teckna vid 60 års ålder, hör röster och skymta viktlösa varelser bland flöden av astral energi.
Mellan 1942 och 1959, året då han dog, gjorde han nästan hundra teckningar och, angående huruvida de är konstverk eller inte, föredrar jag att undvika debatten och lösa frågan genom att notera att detta åtminstone är åsikten från de ansvariga för ett av våra stora museer, eftersom de ställs ut i Reina Sofia-museet tillsammans med andra författare med anknytning till brut konst. Herce har helt rätt eftersom han bestämmer sig för att beröra så spännande ämnen som "konst som terapi (eller självterapi)" och "genialitet som ett mildt tillstånd av galenskap", vars mest kända exempel skulle vara målare som William Blake eller Yayoi Kusama. Slutligen, som en hegeliansk syntes, löser Herce effektivt karaktärens motsägelser och erbjuder de svar som Hilma sökt hela sitt liv om sin konst; svar som uppenbarligen är mycket enklare sett från och med idag än förfalskade dag för dag – utmaningen för varje skapare med självrespekt.
Det finns inga genvägar till det och processen är alltid smärtsam. Skaparen måste ifrågasätta sig själv, se med tro, men också med osäkerhet, mot framtiden. Manuel Romeros arbete i den grafiska delen är lika komplext, och han löser det med överraskande mästerskap.
Museer har lyft Hilmas tempelmålningar och resten av hennes abstrakta målningar och teckningar till status som modernitetsikoner. Men de har förvisat (för att inte säga ignorerat) allt hennes figurativa bildverk, inklusive hennes mest klassiska kompositioner, och sanningen är att Hilma var en utmärkt akademisk målare. Hans verk, liksom hans person, hade en fot i det förflutna och en annan i framtiden, i tradition och modernitet.
Hon var en kvinna som var oroad över vetenskap och vetenskapliga upptäckter och samtidigt fast övertygad om ytterligare en rad saker som vi idag skulle beteckna som pseudovetenskap eller vidskepelse. Hilma är kanske den perfekta representanten för den tid hon levde i, där avantgardet fortfarande var för ett fåtal och var blandat och förvirrat med en tradition som fortfarande slog starkt. Romero uppnår en slags fusion mellan båda till synes oförsonliga världarna.
Den modernaste grafiken samexisterar med den mest klassiska. Rena och geometriska former blandas med symboliska och allegoriska. Och, om inte allt det var nog, använder hon mästerligt färg för att markera övergångarna mellan det som finns i denna värld och de andra verkligheterna som Hilma var så nära.
Resultatet: en organisk helhet där varje element tycks passa ihop med det bredvid, hur mångskiftande det än är, utan att förlora eller förråda den säregna grafik som serietecknaren har vant oss vid. När jag först hörde talas om det här projektet tänkte jag för mig själv: "Det kommer att bli svårt för mig att överträffa grafiken i Goya Saturnalia, hans tidigare serie," och jag skulle vilja offentligt erkänna att jag inte kunde ha mer fel. 'Hilma af Klint, rösten i templet' är för mig redan en av årets serier.
Originalkälla
Publicerad av ABC Cultura
12 june 2026, 15:34
Denna artikel har översatts automatiskt från spanska. Klicka på länken ovan för att läsa originaltexten.
Visa originaltext (spanska)
Rubrik
La sorprendente vida de Hilma af Klint narrada en un cómic
Beskrivning
Pocas cosas me gustan más que los cómics que reflexionan sobre el arte y, especialmente, si dicha reflexión ataca al corazón del arte de vanguardia; o, si se prefiere, al constructo comúnmente aceptado sobre el surgimiento de la abstracción en el arte y, por ende, al mismo concepto del arte contemporáneo. Este es el caso que nos ocupa. 'Hilma af Klint, la voz en el templo' (2026) es un cómic que acerca al lector a una de las figuras más sorprendentes del arte del siglo XX, ya que, en cierto modo, esta artista se adelanta en el tiempo al propio Kandinsky, pues produce cuadros plenamente abstractos en fechas anteriores al pintor ruso. Su figura es hoy incontestable. Sin ir más lejos, mientras escribo estas líneas, acaba de inaugurarse en el Grand Palais de París una muestra en la que se exhibe la colección completa de sus monumentales 'Pinturas del Templo' (1906-1915) , consideradas una de las obras fundacionales del arte abstracto. Pero lo que me resulta realmente fascinante es que esta misma autora afirmaba que estas pinturas eran un mensaje para el futuro. Un futuro poco menos que dictado por una suerte de entidades provenientes de otros planos espirituales que ella denominaba «altos maestros». Esto la conecta con una realidad más propia del siglo XIX, momento en que, en Occidente, la razón enferma de orientalismo, y rosacruces, teósofos y otras doctrinas de pensamiento que abogan por la existencia de otra realidad más allá de la sensible se ponen de moda en la vieja Europa. Son los años en los que videntes y espiritistas afirman acercar el más allá al más acá. Los años en que triunfan los pintores simbolistas, muchos de ellos con un pensamiento romántico cercano a lo irracional, cuajado de alegorías y misticismos. Lo cierto es que le tengo especial cariño a personajes tan contradictorios como Hilma af Klint. Me recuerdan que la «vanguardia» es igualmente un mito construido que ensalza lo que encaja y arrincona lo que no lo hace. Pero, metiéndome en harina, ¿qué es lo que hace única a esta versión de Hilma en viñetas? ¿Qué le ofrece al lector no pueda descubrir en cualquiera de los textos de los catálogos de exposiciones dedicados a la obra de esta singular creadora? Pues, en pocas palabras: mucho y bien narrado . Como suele suceder en estos casos, la visión de los artistas sobre cualquier tema —y los historietistas de este cómic lo son sin lugar a dudas— acostumbra a distar de la de los teóricos del arte. César Herce , el guionista, parte de una exhaustiva documentación y, simplemente, decide trascenderla de forma genial. Y así, acierta y aporta ese plus que hace de esta obra algo único y especial. Para afrontar un reto de estas características se hace, a mi juicio, la pregunta fundamental: «¿Cómo enfrenta Hilma sus miedos, sus contradicciones? ¿Cómo enfrenta el dolor en su vida? Hilma lo hace a través del arte». En las páginas de este cómic, compara a Hilma con otras mujeres creadoras, como Georgiana Houghton , una médium británica nacida en las Islas Canarias que, en fechas tan tempranas como 1861, comienza a producir dibujos plenamente abstractos en sesiones espiritistas, en las que los espíritus guiaban sus manos. ¿Su razón? El dolor. ¿Su motivación? Contactar con una hermana muy querida fallecida en 1851. También nombra otros casos similares posteriores a Hilma, como Josefa Tolrà i Abril , médium y dibujante que, hundida por la pérdida de sus tres hijos, comienza a dibujar a los 60 años, escuchando voces y vislumbrando seres ingrávidos entre flujos de energía astral. Entre 1942 y 1959, año de su muerte, realiza casi un centenar de dibujos y, respecto a si son o no obras de arte, prefiero evitar el debate y zanjar la cuestión haciendo notar que esa es, al menos, la opinión de los responsables de uno de nuestros grandes museos, ya que llegan a exponerse en el Museo Reina Sofía junto a otros autores relacionados con el arte brut. Herce acierta de pleno porque decide tocar temas tan apasionantes como el «arte como terapia (o autoterapia)» y «la genialidad como un estado leve de locura», cuyos ejemplos más conocidos serían pintores como William Blake o Yayoi Kusama. Por último, a modo de síntesis hegeliana, Herce resuelve con eficacia las contradicciones del personaje, ofreciendo las respuestas que Hilma buscó toda su vida sobre su arte; respuestas que, evidentemente, son mucho más sencillas vistas desde la actualidad que forjadas día a día —el reto de todo creador que se precie—. No existen atajos para ello y el proceso es siempre doloroso. El creador ha de cuestionarse a sí mismo , mirando con fe, pero también con incertidumbre, hacia el porvenir. El trabajo de Manuel Romero en el apartado gráfico es igual de complejo, y lo resuelve con sorprendente maestría. Los museos han elevado las Pinturas del Templo de Hilma y el resto de sus cuadros y dibujos abstractos a la categoría de iconos de la modernidad. Pero han relegado (por no decir ignorado) toda su obra pictórica figurativa, incluyendo sus composiciones más clásicas, y lo cierto es que Hilma era una excelente pintora académica. Su obra, como su persona, tenía un pie en el pasado y otro en el futuro, en la tradición y en la modernidad. Era una mujer preocupada por la ciencia y los descubrimientos científicos y, a la vez, una firme convencida de otra serie de cosas que hoy tildaríamos de seudociencia o superchería. Hilma es quizá la perfecta representante del momento en que le tocó vivir, donde la vanguardia era aún para unos pocos y se mezclaba y confundía con una tradición que aún latía con fuerza. Romero consigue una especie de fusión entre ambos mundos aparentemente irreconciliables. Los grafismos más modernos conviven con los más clásicos. Las formas puras y geométricas se mezclan con las simbólicas y las alegóricas. Y, por si todo eso fuera poco, utiliza de manera magistral el color para marcar las transiciones entre lo que hay en este mundo y esas otras realidades que a Hilma le eran tan cercanas. El resultado: un todo orgánico en el que cada elemento parece encajar con el que tiene a su lado, por diverso que sea, sin perder ni traicionar el peculiar grafismo al que el historietista nos tiene acostumbrados. Cuando oí hablar por primera vez de este proyecto, pensé para mis adentros: «Va a ser difícil que supere el grafismo de Goya Saturnalia , su cómic anterior», y me gustaría reconocer públicamente que no podía estar más errado. 'Hilma af Klint, la voz en el templo' es, para mí, desde ya, uno de los cómics del año.
